Nếu nhìn lại những lần Jisoo xuất hiện tại Dior kể từ khi Jonathan Anderson tiếp quản womenswear, có thể thấy nhà thiết kế không quá hứng thú với việc giữ cô mãi trong vùng an toàn. Spring/Summer 2026 là ví dụ rõ nhất. Trước show, Dior từng tung video fitting Jisoo trong chiếc váy quây xanh nhạt với phom bồng bềnh và chiếc nơ lớn ở hông, một hình ảnh rất gần với kiểu “công chúa Dior” vốn quen thuộc với cô. Nhưng khi xuất hiện tại show, outfit thực tế lại hoàn toàn khác: sơ mi trắng thắt nơ, gilet xám và quần short đen phồng. Sự chuyển hướng sang tailoring mang hơi hướng menswear cho thấy Anderson muốn phá vỡ hình ảnh nữ tính đã quá quen, nhưng hiệu quả thị giác lại chưa thật sự thuyết phục. Tỷ lệ quần short phồng, gilet và nơ cổ khiến tổng thể có phần nặng nề, thậm chí dễ gợi liên tưởng đến đồng phục hơn là một front-row look. Ý tưởng thì rõ, nhưng cách thực hiện vẫn chưa đủ cân bằng để biến sự khác biệt thành một tạo hình thực sự đáng nhớ.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791194016324_865435.webp"><figcaption>Nguồn: DIOR</figcaption></figure>Đến Fall/Winter 2026, những thử nghiệm của Jonathan Anderson với hình ảnh Jisoo bắt đầu thuyết phục hơn khi cô xuất hiện trong chiếc váy đen xuyên thấu bất đối xứng, rồi chuyển sang một phiên bản lãng mạn hơn tại Met Gala với gown hồng phủ embroidery hoa. Nhìn từ chuỗi đó, chiếc váy hồng tại SS27 không còn là một lựa chọn riêng lẻ. Sơ mi trắng giữ phần trên gọn gàng, trong khi chân váy xếp ly màu hồng được đẩy volume lên rõ rệt và trở thành điểm nhấn chính. Màu sắc, độ phồng cùng chiếc clutch hình con vật khiến outfit có nguy cơ trở nên quá ngọt, nhưng cách tiết chế tóc, makeup và phần thân trên giúp tổng thể không trượt hoàn toàn sang cảm giác hóa trang. Anderson vẫn giữ Jisoo trong thế giới nữ tính vốn rất hợp với cô, chỉ liên tục thay đổi cách nữ tính ấy được thể hiện: lúc menswear, lúc xuyên thấu, lúc romantic đến cực điểm, rồi lại chuyển sang một kiểu ngọt ngào có phần tinh nghịch. Không phải thử nghiệm nào cũng thành công như nhau, nhưng chính sự thay đổi ấy khiến hình ảnh Jisoo tại Dior hiện tại khó đoán hơn trước.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791194220274_362536.jpeg"><figcaption>Nguồn: Getty Image</figcaption></figure>

JISOO: TỪ BỘ ĐỒ GÂY TRANH LUẬN ĐẾN NHỮNG LẦN THỬ NGHIỆM NGÀY CÀNG THUYẾT PHỤC

Trước SS27, hình ảnh thời trang cao cấp của Wonyoung đã gắn với Miu Miu trong nhiều năm. Vì vậy, việc cô xuất hiện tại Paris trong một set đồ Dior từ đầu đến chân rồi lần đầu ngồi front row của nhà mốt lập tức khiến mối quan hệ này được chú ý. Tại show, Wonyoung chọn thiết kế ren mỏng từ Dior Cruise 2027 kết hợp cùng Dior Cigale Bag. Look không cố tạo hiệu ứng bằng volume hay cấu trúc phức tạp, mà dựa vào độ trong của chất liệu, layering và chuyển động nhẹ quanh cơ thể. Đây cũng là kiểu nữ tính khá gần với hình ảnh Wonyoung vốn đã xây dựng: trẻ, mềm mại, chỉn chu và có phần tiểu thư. Hiện chưa có cơ sở để khẳng định Wonyoung sẽ trở thành đại sứ tiếp theo của Dior, nhưng cô bước vào nhà mốt ở thời điểm Jonathan Anderson cũng đang mở rộng cách Dior diễn giải vẻ nữ tính theo hướng nhẹ hơn, trẻ hơn và ít khuôn mẫu hơn. Wonyoung vì thế không cần trở thành một phiên bản khác của Jisoo để tìm được chỗ đứng trong thế giới này. Nếu Jisoo là hình ảnh đã có nhiều năm để Dior liên tục thử nghiệm và biến đổi, Wonyoung mới chỉ đang tạo ra những liên hệ đầu tiên. SS27 chưa đủ để gọi đây là một mối duyên lâu dài, nhưng ít nhất nó đã tạo ra một điểm khởi đầu đủ tự nhiên để câu hỏi ấy được đặt ra.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791194516321_20132.jpeg"><figcaption>Nguồn: 창영 | changyoung</figcaption></figure>

JANG WONYOUNG: LIỆU ĐÂY CÓ PHẢI KHỞI ĐẦU CHO MỘT CÔNG CHÚA DIOR MỚI?

Jonathan Anderson tiếp tục đối thoại với di sản Christian Dior thông qua corset, tailoring và những đường nét vốn quen thuộc của maison. Nhưng thay vì giữ chúng trong trạng thái cứng và hoàn hảo, anh làm mềm cấu trúc bằng chiffon trong suốt, ren, pleats và những lớp vải chuyển động nhẹ theo cơ thể. Thiên nhiên tiếp tục trở thành một phần quan trọng của bộ sưu tập. Từ những quả walnut xuất hiện trong invitation, lấy cảm hứng từ truyền thống&nbsp;wénwán của Trung Quốc, đến khu vườn Tuileries và những bề mặt hoa trên trang phục, Anderson hướng Dior tới một kiểu vẻ đẹp ít phụ thuộc hơn vào sự cân xứng và kiểm soát tuyệt đối. Trong bối cảnh đó, hình ảnh của Jisoo và Wonyoung tuy cách thể hiện khác nhau nhưng đều phù hợp với một Dior đang dần nới lỏng những khuôn mẫu nữ tính vốn rất rõ ràng của mình. Jonathan Anderson không loại bỏ hình ảnh “công chúa Dior”. Thay vào đó, anh đang mở rộng nó để nhiều kiểu nữ tính có thể cùng tồn tại trong một thế giới.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791194710445_423630.jpeg"><figcaption>Nguồn: Y-Zine</figcaption></figure>

JONATHAN ANDERSON LÀM MỀM NHỮNG ĐƯỜNG NÉT KINH ĐIỂN CỦA DIOR

Tại show Spring/Summer 2027, Jisoo xuất hiện trong tông trắng hồng với chiếc chân váy xếp ly được custom riêng và clutch hình chú vịt từng được Jonathan Anderson hé lộ trước show. Cách đó không xa là Jang Wonyoung trong thiết kế ren mỏng của Dior Cruise 2027, đánh dấu lần đầu nữ idol xuất hiện tại show Dior sau nhiều năm hình ảnh thời trang gắn chặt với Miu Miu. Sự xuất hiện cùng lúc của Jisoo và Wonyoung vì thế không chỉ tạo nên một front row nhiều sức hút, mà còn đặt ra một câu hỏi thú vị: khi Jonathan Anderson đang thay đổi cách Dior nói về sự nữ tính, hình ảnh “công chúa Dior” liệu có còn cần một công thức duy nhất?

KHI DIOR KHÔNG CÒN CHỈ CÓ MỘT KIỂU CÔNG CHÚA

Năm 1997, từ một người em gái đứng bên cạnh nhà sáng lập, bà trở thành người trực tiếp tiếp tục câu chuyện của thương hiệu, đồng thời đưa Versace bước sâu hơn vào thế giới của người nổi tiếng, thảm đỏ và văn hóa đại chúng. Dưới thời Donatella, Versace vẫn giữ những dấu ấn đặc trưng của nhà mốt nhưng liên tục tìm cách kết nối với thế hệ mới. Một trong những khoảnh khắc nổi tiếng nhất là chiếc váy Jungle Print Jennifer Lopez mặc tại Grammy 2000, sự kiện sau đó góp phần dẫn đến sự ra đời của Google Image Search.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791181242110_794473.webp"><figcaption>Nguồn: Getty Images</figcaption></figure>

DONATELLA ĐÃ ĐƯA VERSACE ĐI XA ĐẾN ĐÂU?

Donatella chính thức rời vị trí Chief Creative Officer của Versace vào tháng 3/2025. Dario Vitale tiếp quản vai trò này từ tháng 4, trong khi Donatella chuyển sang Chief Brand Ambassador, tiếp tục đồng hành cùng thương hiệu nhưng không còn trực tiếp dẫn dắt. Và có lẽ chính khoảng lặng ấy đã mở ra một hướng đi khác. Thay vì tiếp tục đứng sau một di sản đã được định hình, Donatella bắt đầu xây dựng một cái tên hoàn toàn mới.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791181379473_885699.jpeg"><figcaption>Nguồn: Donatella Versace</figcaption></figure>

THÁNG 3/2025: DỪNG LẠI VỊ TRÍ GIÁM ĐỐC SÁNG TẠO

Ngày 21/9/2026, Donatella và REVOLVE công bố một liên doanh mới trong lĩnh vực thời trang và làm đẹp. Đây là một thương hiệu độc lập, trong đó Donatella giữ vai trò Chief Creative Officer và trực tiếp định hình bản sắc, sản phẩm, cộng tác viên cũng như thế giới văn hóa của thương hiệu. Nếu Donatella mang đến kinh nghiệm và góc nhìn sáng tạo sau hàng thập kỷ trong thời trang, REVOLVE sẽ đảm nhiệm phần công nghệ, thương mại điện tử, dữ liệu người tiêu dùng, vận hành và marketing. Sự kết hợp này hướng đến nhóm khách hàng Millennials và Gen Z, trước mắt tại Mỹ, Mỹ Latin, châu Á - Thái Bình Dương và Trung Đông.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791181440024_247390.jpeg"><figcaption>Nguồn: Donatella Versace</figcaption></figure>

DONATELLA VERSACE X REVOLVE: MỘT CHƯƠNG MỚI

Tên thương hiệu và hình ảnh chính thức vẫn chưa được tiết lộ. Điều đã được xác nhận là những sản phẩm đầu tiên sẽ bắt đầu từ beauty, sau đó mở rộng sang thời trang. Thương hiệu cũng được định hướng không chỉ xoay quanh sản phẩm, mà còn kết nối thời trang, làm đẹp, âm nhạc, giải trí, talent, creator và cộng đồng thông qua nội dung, trải nghiệm và thương mại. Đây cũng là điểm khiến dự án mới khác với những gì Donatella từng làm tại Versace.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791181657785_742822.jpeg"><figcaption>Nguồn: Donatella Versace</figcaption></figure>Gần ba thập kỷ tại Versace, Donatella đã dành phần lớn sự nghiệp để giữ cho một di sản tiếp tục sống và biến đổi theo thời đại. Giờ đây, rời khỏi một cái tên đã có sẵn, thương hiệu mới vẫn chưa được công bố, sản phẩm đầu tiên chưa xuất hiện và câu chuyện phía trước vẫn còn bỏ ngỏ. Nhưng lần này, bà đang cùng REVOLVE đặt những viên gạch đầu tiên cho một thế giới sáng tạo hoàn toàn của riêng mình.

BEAUTY SẼ LÀ ĐIỂM BẮT ĐẦU

Sau gần ba thập kỷ ở vị trí Giám đốc Sáng tạo của Versace sau sự ra đi đột ngột của anh trai Gianni Versace, Donatella Versace rời khỏi chiếc ghế ấy, khép lại một chương sự nghiệp gắn liền với một trong những cái tên biểu tượng của làng thời trang. Nhưng Donatella chưa bao giờ thực sự rời khỏi thời trang, ở tuổi 71 bà trở lại với một vai trò hoàn toàn mới: Chief Creative Officer của thương hiệu thời trang và làm đẹp độc lập do chính mình cùng REVOLVE xây dựng.

DONATELLA VERSACE: RỜI BỎ CHIẾC GHẾ KẾ THỪA, BƯỚC ĐẦU MỞ RA ĐẾ CHẾ THỜI TRANG CỦA RIÊNG MÌNH

Với Italy, craftsmanship gần như là một lựa chọn hiển nhiên. “Made in Italy” từ lâu đã gắn với atelier, nhà máy dệt, tailoring, kỹ thuật xử lý da và những tay nghề được truyền qua nhiều thế hệ. Vogue World vì thế đưa câu chuyện đi từ brocade thời Phục Hưng, ren và các bề mặt thủ công đến sản xuất công nghiệp, textile và công nghệ hiện đại. Khi đặt những kỹ thuật truyền thống cạnh máy móc và AI, sự kiện cũng cho thấy craft không phải thứ chỉ thuộc về quá khứ. Thời trang Italy vốn luôn phát triển bằng cách kết hợp tay nghề con người với những công cụ và phương thức sản xuất mới. Theo logic đó, AI có thể được nhìn như một công cụ tiếp theo trong quá trình này, thay vì thứ hoàn toàn đối lập với nghề thủ công. Câu hỏi vì thế không chỉ là công nghệ có thể thay thế con người đến đâu, mà là con người sẽ sử dụng những công cụ ngày càng mạnh ấy như thế nào.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791174151795_702108.jpeg"><figcaption>Nguồn: Vouge</figcaption></figure>

CRAFT KHÔNG CHỈ THUỘC VỀ QUÁ KHỨ

Trước sự kiện, đạo diễn Bardia Zeinali đã biến Vittoria Ceretti thành một phiên bản giả tưởng mang tên “Vittoria.ai” trong loạt video xoay quanh invention, taste, emotion và ambition. Hình ảnh một supermodel Italy được biến thành thực thể gần như robot tạo ra đúng nghịch lý mà Vogue World muốn nói tới: công nghệ có thể mô phỏng hình thức ngày càng thuyết phục, nhưng mô phỏng không đồng nghĩa với sở hữu trải nghiệm tạo nên hình thức ấy. Đó cũng là lúc “human touch” vượt ra khỏi nghĩa một món đồ được làm bằng tay. AI có thể tạo ra hàng trăm phương án hình ảnh. Công nghệ có thể rút ngắn quá trình thử nghiệm và biến ý tưởng thành prototype nhanh hơn. Nhưng cuối cùng, con người vẫn là người quyết định ý tưởng nào nên được giữ lại, chỉnh sửa hay loại bỏ. Theo Will Town, editor của dự án, công nghệ giúp rút ngắn khoảng cách từ ý tưởng đến lúc thực hiện, nhưng nó không thể thay thế hoàn toàn vai trò lựa chọn và định hướng của con người. Điều này rõ ràng đem lại nhiều khả năng mới. Nhưng khi execution trở nên nhanh và dễ hơn, câu hỏi “tại sao phải làm thứ này?” lại càng khó tránh. Nếu ngày càng nhiều thứ có thể được tạo ra, giá trị không còn nằm ở việc tạo ra thật nhiều. Nó nằm ở việc biết thứ gì đáng được tạo ra.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791174457632_153388.jpg"><figcaption>Nguồn: Getty Images</figcaption></figure>

KHI MÁY CÓ THỂ TẠO RA HÌNH ẢNH, “HUMAN TOUCH” NẰM Ở ĐÂU?

Đây cũng là nghịch lý thú vị của luxury trong thời đại AI. Công nghệ thường hướng đến tốc độ và hiệu suất, trong khi craftsmanship lại thường mang giá trị vì nó cần thời gian. Một bề mặt thêu hay một kết cấu tailoring không đáng giá chỉ vì phức tạp. Nó còn chứa kinh nghiệm của người biết vật liệu sẽ phản ứng thế nào, chi tiết nào cần giữ, phần nào có thể bỏ và khi nào một sản phẩm đã thực sự hoàn thành. Đó là thứ rất khó nén vào một prompt. Và khi hình ảnh ngày càng dễ được tạo ra, khoảng cách giữa hình dung một món đồ và thực sự làm ra nó lại càng rõ. Một hình ảnh fantasy có thể xuất hiện trên màn hình trong vài giây, nhưng một thiết kế thật vẫn phải giải quyết trọng lượng, chuyển động, độ bền, cấu trúc và cách chất liệu tồn tại trên cơ thể. Milan vì thế là nơi phù hợp để đặt câu hỏi này. Thành phố không chỉ có lịch sử thiết kế mà còn có lịch sử sản xuất, nơi ý tưởng luôn phải đi qua bàn tay của maker trước khi trở thành một vật thể thật.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791174993404_713070.jpeg"><figcaption>Nguồn: Antonio De Masi</figcaption></figure>

CÀNG DỄ TẠO RA, THỜI GIAN CÀNG CÓ GIÁ

Vogue World Milano không cố chứng minh rằng công nghệ sẽ không bao giờ thay thế được một phần công việc của con người. Lịch sử thời trang đã nhiều lần thay đổi cùng máy móc, vật liệu và kỹ thuật mới. Điều sự kiện đặt ra đáng chú ý hơn: khi máy móc ngày càng làm được nhiều hơn, thời trang sẽ phải xác định rõ hơn mình thực sự coi trọng điều gì ở con người. Một hình ảnh có thể được sinh ra trong vài giây. Một prototype có thể được thử nhanh hơn. Nhưng phía sau chúng vẫn cần một người quyết định cái gì nên giữ, cái gì nên bỏ và tại sao sản phẩm đó cần tồn tại. Giữa một thời đại ngày càng ám ảnh với việc làm mọi thứ nhanh hơn, Vogue World lại đưa thời trang trở về với một thứ rất chậm: đôi bàn tay. Không phải để quay lại quá khứ, mà để nhắc rằng công nghệ có thể thay đổi cách thời trang được tạo ra, còn giá trị của người tạo ra nó vẫn là câu chuyện chưa dễ biến mất.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791174612325_836294.jpeg"><figcaption>Nguồn: Vouge</figcaption></figure>

TƯƠNG LAI KHÔNG NHẤT THIẾT PHẢI CHỌN GIỮA NGƯỜI VÀ MÁY

Những năm trước, Vogue World từng đi qua thể thao ở Paris hay điện ảnh tại Hollywood. Nhưng khi đặt chân tới Milan năm 2026, Vogue chọn một chủ đề gây tranh cãi khá nhiều từ đầu năm 2026 trở lại đây: craftsmanship và “human touch”. Khi ngày càng nhiều thứ có thể được tạo ra nhanh hơn bởi công nghệ, điều gì vẫn khiến thời trang mang dấu vết của con người?

VOGUE WORLD MILANO 2026: TUYÊN NGÔN VỀ TÍNH DI SẢN DO BÀN TAY CON NGƯỜI TẠO NÊN

Show của thương hiệu diễn ra một ngày trước lịch chính thức của NYFW, cùng nhóm các show pre-calendar như Ralph Lauren, Coach, Rachel Comey và Libertine. Trên runway Cult Gaia, Dahan xuất hiện trong một thiết kế mang đậm tinh thần nữ tính và giàu tính điêu khắc của nhà mốt. Phom dáng ôm lấy cơ thể, những đường cong được nhấn mạnh qua cấu trúc trang phục và cách xử lý chất liệu khiến tổng thể vừa mềm mại vừa có độ sắc nét về thị giác. Điểm đáng chú ý nằm ở cách bộ trang phục không cần quá nhiều chi tiết để tạo hiệu ứng. Trên cơ thể Dahan, thiết kế giữ được sự thanh thoát của một look runway nhưng đồng thời làm nổi bật khả năng kiểm soát hình thể - yếu tố vốn đặc biệt quan trọng với những thiết kế đề cao đường cong và cấu trúc như Cult Gaia.<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=Unolbx4-v4JBrgzE6sUx7w&amp;__expires=1790068285&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-ord5-2.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F808547195_18629368936041030_4359230539237726957_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_tt6%26_nc_cat%3D100%26ig_cache_key%3DMzk4NDk5MDEyMDI2NzkzMDk4MQ%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMTA4MC5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3DqR4P8WDkTq0Q7kNvwEkcaxv%26_nc_oc%3DAdpjN_Z6Ing5PVxyZSwyWuvgUGL3rnYPY47cXqnaOawPzDJWhT285tB5rrt5gNUbENwewu7g3Jxg7wCkIg9rpMkS%26_nc_zt%3D23%26se%3D7%26_nc_ht%3Dscontent-ord5-2.cdninstagram.com%26_nc_gid%3D_GniD0iqoZpa_at-ku2k3A%26_nc_ss%3D7f39b%26oh%3D00_AQI3K7gL_-kexb-qF5kA6a-pqcvImZD7P7gQQKKBpoe95Q%26oe%3D6AB82B66&amp;filename=808547195_18629368936041030_4359230539237726957_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: CULT GAIA</figcaption></figure>Từ một show diễn nằm ngoài lịch chính thức, Dahan bước thẳng vào một tuần lễ có lịch trình dày đặc với hàng chục runway và presentation. Theo Vogue, lịch NYFW SS27 chính thức có khoảng 70 show và presentation, trong khi toàn bộ mùa diễn tại New York được ghi nhận tới 96 collections trên lịch runway của NOWFASHION. Nói cách khác, việc xuất hiện trên runway không chỉ đơn giản là “có tên trong show”. Mỗi mùa, các người mẫu vẫn phải tiếp tục casting và cạnh tranh cho từng vị trí.<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=b0J7Xf5M--lLP1ZQuv3EYg&amp;__expires=1790068449&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-ord5-1.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F808490887_18620836531052657_1717646091163156056_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_tt6%26_nc_cat%3D106%26ig_cache_key%3DMzk4NTE1NjQ4NzIyMjA4OTM4Nw%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMTIwOS5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMiJ9%26_nc_ohc%3DfxgN6BRdZuwQ7kNvwHTqw2L%26_nc_oc%3DAdrpVHeLhiSWuh5eF8z6Q0rQ60y75qMlouZ79wy5Ye5rSnDIiMxwCKq-5KIt0T78MKV1biGuZNLFCJNl_q_PFQFi%26_nc_zt%3D23%26se%3D7%26_nc_ht%3Dscontent-ord5-1.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DrZy2RQ-P5Ip1Jj1I_5QMUg%26_nc_ss%3D7f39b%26oh%3D00_AQKoZKfIxagIZ8dlAC0MQSy0TDrdPVahhr4ogzAUVgbUIg%26oe%3D6AB81F3E&amp;filename=808490887_18620836531052657_1717646091163156056_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: CULT GAIA</figcaption></figure>

 CULT GAIA 

Nếu Cult Gaia nghiêng về tính nữ và hình thể, Ashlyn mang đến một ngôn ngữ khác. Thương hiệu của Ashlynn Park thường được nhận diện qua cách xử lý tailoring, draping và những cấu trúc trang phục có tính kiến trúc nhưng vẫn giữ sự mềm mại. Việc Dahan xuất hiện liên tiếp ở hai thương hiệu có ngôn ngữ thẩm mỹ khác nhau cũng cho thấy một phần đặc thù của nghề người mẫu runway: không chỉ cần phù hợp với một hình ảnh, mà phải có khả năng “đi vào” nhiều thế giới thời trang khác nhau.<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=1jF_FJuE6kusZ3OQSBBFCQ&amp;__expires=1790068532&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-ord5-2.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F808553579_18427753141199136_8274916959252749931_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_p1170x1170_sh2.08_tt6%26_nc_cat%3D102%26ig_cache_key%3DMzk4NTIzODczODQzODE3MTU2Mw%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMzI3Ny5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3DWqhsnrgFOUkQ7kNvwEcQOnl%26_nc_oc%3DAdoAH-D2Mg1bQHjjlG-cRclSEkFPBEdhDCKK6EpzHg0scejfvY0NH959i5wrk-iCMUz5NH1RdlBrVgVOYC0v8FfA%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-ord5-2.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DsKd6WomB5Isf2QkFgvnDrw%26_nc_ss%3D7f39b%26oh%3D00_AQIxjDhxp0CBdcC-sHGqKtt1MiDgtM_anU6sax37qxzTKQ%26oe%3D6AB7FDA6&amp;filename=808553579_18427753141199136_8274916959252749931_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: ASHLYN</figcaption></figure>

 ASHLYN

Zankov cũng là một trong những cái tên đáng chú ý trong mùa này, Henry Zankov đồng thời đảm nhận vai trò Artistic Director của Diane von Furstenberg và đưa bộ sưu tập mang tên mình lên lịch chính thức của New York Fashion Week. Điều này khiến show Zankov trở thành một điểm chạm thú vị trong mùa diễn: một thương hiệu mang tên nhà thiết kế đang ở giữa một giai đoạn mở rộng vai trò sáng tạo.<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=nN1BUPnJlcLtW9wdpB4ngw&amp;__expires=1790068610&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-ord5-2.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F811236141_18621297691004957_4412836957693380731_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_p1170x1170_sh2.08_tt6%26_nc_cat%3D102%26ig_cache_key%3DMzk4NjMzMDUwMjA3OTAyMTQwMQ%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMjAwMC5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3D-fY6zdmCU88Q7kNvwEjTqaS%26_nc_oc%3DAdpLfSJcfLh6i4UkDgbY-vEF4tekOWpM0vL-_KMtGjYAOjxCs6j0KLZ5aEedQqsKIYwnKe77Rcoxbb-gtfk_C7To%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-ord5-2.cdninstagram.com%26_nc_gid%3D0IQumO_0D11zHVZ5WZBZ8w%26_nc_ss%3D7f39b%26oh%3D00_AQJLEy8zL5BgY4VpfFtSG_jJUc2AGJvw8LcU30dlU4QeGw%26oe%3D6AB812DD&amp;filename=811236141_18621297691004957_4412836957693380731_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: ZANKOV</figcaption></figure>

RUNWAY ZANKOV

Tại The Shed, Thom Browne biến sàn diễn thành một khu vườn siêu thực với những chiếc lá khổng lồ, hoa, côn trùng và một chiếc kén lớn ở trung tâm. Bộ sưu tập xoay quanh hình ảnh biến đổi từ sâu thành bướm, đưa những đôi cánh, họa tiết côn trùng và các chi tiết lấy cảm hứng từ thiên nhiên vào thế giới tailoring đặc trưng của nhà mốt. Giữa một không gian vốn đã đủ choáng ngợp, look của Dahan lại không cần phải “gào thét” để được chú ý.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=gfp3N_VsVOzUSRtSAq6_NA&amp;__expires=1790068709&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-ord5-2.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F818297269_18623549950052657_1403247074627617311_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_tt6%26_nc_cat%3D107%26ig_cache_key%3DMzk5MTE0NDEwMTQ2NDUwODQ4Ng%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMTAwOC5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3DqXXYO9Y7yxMQ7kNvwEBQttA%26_nc_oc%3DAdpcu4GyKXpZMCN_5atjjtIey5idQCUjed6icuHNh6cLlyueXJfopWJo8OXPFIrAIrbDeL_TGGOAT8Low7guicx_%26_nc_zt%3D23%26se%3D7%26_nc_ht%3Dscontent-ord5-2.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DJKi6dL5sUFQTLdWei6Nxrg%26_nc_ss%3D7f39b%26oh%3D00_AQIE9M91y1bz87wnLQkZBcEWfb7sKCkGDYcMFcwWnlV0vQ%26oe%3D6AB8196B&amp;filename=818297269_18623549950052657_1403247074627617311_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Thiết kế cô mặc giữ lại tinh thần đặc trưng của Thom Browne với cấu trúc tailoring rõ ràng, nhưng được xử lý theo hướng có phần kỳ ảo hơn. Phom dáng, tỷ lệ và những chi tiết trang trí tạo nên cảm giác vừa nghiêm chỉnh vừa nghịch ngợm, đúng với cách Thom Browne thường đưa những bộ suit quen thuộc bước ra khỏi bối cảnh công sở. Đặc biệt, khi đặt look của Dahan trong tổng thể sân khấu, trang phục không bị tách khỏi câu chuyện của show mà gần như trở thành một phần của khu vườn ấy. Sự tương phản giữa cấu trúc may đo và những hình ảnh mềm mại của thiên nhiên khiến tổng thể có cảm giác như một nhân vật đang ở giữa quá trình biến đổi. &nbsp;<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=KBOoEtLI61xxHXlCvBHqmQ&amp;__expires=1790068709&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-ord5-2.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F818062376_18623550025052657_9032260246755476480_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_p1080x1080_sh3.6_tt6%26_nc_cat%3D103%26ig_cache_key%3DMzk5MTE0NDEwNzIxOTE1OTE3Mw%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMTI5Ni5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3D-AIYueXwnpAQ7kNvwHt1T2w%26_nc_oc%3DAdoDTC4BsETuS7lYkK9PPXdJlgN7K1ZZwSdht7pZbF0KvYHw_Xx4JFMarTK4hp9brI9eaTVCflLbo7HGH7cInc6V%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-ord5-2.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DJKi6dL5sUFQTLdWei6Nxrg%26_nc_ss%3D7f39b%26oh%3D00_AQIH-ufCFKwsMJCQ0R1QHvfOsp_EYpTDkn8xe1pdbcDjGA%26oe%3D6AB81683&amp;filename=818062376_18623550025052657_9032260246755476480_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>

THOME BROWNE

Trước đây, New York từng là một thị trường mà Dahan hướng đến rất rõ. Trong một cuộc phỏng vấn gần đây, cô chia sẻ rằng lần đầu đến New York cũng là dịp NYFW và sau đó ký với New York Models, đồng thời lựa chọn phát triển theo hướng high fashion và editorial. Vài năm sau, cô quay lại New York, và không chỉ một lần. Với Dahan Phương Oanh, NYFW SS27 có lẽ không phải một chương hoàn toàn mới. Nó giống một lần đánh dấu lại vị trí của cô cũng như làng mẫu Việt trên chính thành phố từng là một giấc mơ.

NEW YORK KHÔNG CÒN CHỈ LÀ GIẤC MƠ

New York Fashion Week Xuân Hè 2027 vừa khép lại, đánh dấu thêm một mùa diễn đáng chú ý của Dahan Phương Oanh tại New York. Chỉ trong 7 ngày, người mẫu Việt xuất hiện trên 4 runway, tiếp tục nối dài hành trình của mình tại một trong những kinh đô thời trang lớn nhất thế giới. 

KHI RUNWAY QUỐC TẾ LIÊN TỤC GỌI TÊN DAHAN PHƯƠNG OANH: 

Điểm đáng giá nhất của SS27 nằm ở cách Leoni loại bỏ thay vì trang trí. Tailoring được thu gọn, quần ôm sát hông, slip skirt rơi ngay dưới gối, áo sơ mi trắng, coat dáng thẳng và denim washed-out trở thành những thứ chính. Một số thiết kế gần như không có chi tiết thừa: suit đen được lược bỏ nút, áo T-shirt trắng đi cùng chân váy satin dài, còn denim được xoắn và biến đổi nhẹ thay vì bị làm mới một cách phô trương.<figure class="image"><img src="https://r.fashionunited.com/1Ly1n-D1YRAUXwPRKQUj2L0tgEeILzmUreqIaskUMUE/resize:fill-down:1698:0:0/gravity:ce/quality:70/aHR0cHM6Ly9mYXNoaW9udW5pdGVkLmNvbS9pbWcvdXBsb2FkLzIwMjYvMDkvMTQvY2FsdmluLWtsZWluLXBvLXMyNy0wMjktcTVid3h3c3otMjAyNi0wOS0xNC5qcGVn" alt="Calvin Klein SS27 - Worldwide Fashion Design Lookbook"><figcaption>Nguồn: Fashion United</figcaption></figure>Đây cũng là lúc Calvin Klein cho thấy minimalism không đồng nghĩa với nhạt nhòa. Khi phom dáng đủ chính xác, chất liệu và tỷ lệ sẽ tự lên tiếng. Organza trong suốt, cotton compact, nylon tailoring và denim bạc màu tạo ra sự tương phản vừa đủ giữa cứng và mềm, kín và hở. Cảm giác gợi dục cũng được giữ lại nhưng kín đáo hơn, thông qua neckline thấp, jersey ôm cơ thể và những khoảng hở có tính toán thay vì phô bày trực diện.<figure class="image"><img src="https://r.fashionunited.com/0JrNNd18XAMtZAayaYWVm1EVHVf_gt-3c6bZW4HnaCQ/resize:fill:1440:0:0/gravity:ce/quality:70/aHR0cHM6Ly9mYXNoaW9udW5pdGVkLmNvbS9pbWcvdXBsb2FkLzIwMjYvMDkvMTQvY2FsdmluLWtsZWluLXBvLXMyNy0wMzAtY3Z5cjBtajUtMjAyNi0wOS0xNC5qcGVn" alt="Calvin Klein SS27 - Worldwide Fashion Design Lookbook"><figcaption>Nguồn: Fashion United</figcaption></figure>

TỐI GIẢN NHỮNG CHI TIẾT THỪA

Có một điều khá thú vị ở SS27: Leoni dường như đã bớt cố chứng minh mình là người đang làm mới Calvin Klein. Cô bắt đầu tin vào chính những thứ đã khiến thương hiệu này trở nên đặc biệt từ đầu: sự đơn giản, tính ứng dụng, cơ thể và một kiểu sensuality rất Mỹ.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/6aa50b41076f22746d970c6e/master/w_2560%2Cc_limit/00005-calvin-klein-collection-spring-2027-ready-to-wear-detail-credit-gorunway.jpg" alt="Image may contain Accessories Bag Handbag Clothing Footwear Sandal Shoe and Purse"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure><figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/6aa49cb92e4581f6984be2a5/master/w_2560%2Cc_limit/00002-calvin-klein-collection-spring-2027-ready-to-wear-credit-gorunway.JPG" alt="Image may contain Clothing Skirt Adult Person Accessories Bag Handbag Sleeve Footwear and Shoe"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Tất nhiên, bộ sưu tập vẫn chưa hoàn toàn giải được bài toán lớn nhất của Calvin Klein. Cathy Horyn nhận xét rằng sự tối giản lần này đôi lúc thiếu độ sắc và cảm xúc, đặc biệt khi so với sức mạnh hình ảnh vốn gắn với Calvin Klein trong văn hóa đại chúng. Nhưng chính khoảng cách đó lại khiến SS27 đáng theo dõi: Leoni đang dần tìm được Calvin Klein của riêng mình, không bằng cách phá bỏ DNA cũ mà bằng cách bóc từng lớp cho đến khi phần cốt lõi còn lại đủ mạnh. Và với một thương hiệu vốn được xây dựng trên triết lý “less is more”, có lẽ đó mới là hướng đi hợp lý nhất.

VERONICA LEONI ĐANG HỌC CÁCH “KHÔNG LÀM QUÁ”

Nếu vài mùa trước Veronica Leoni còn loay hoay tìm xem mình có thể làm gì với một di sản quá lớn như Calvin Klein, thì SS27 là lúc cô bắt đầu hiểu rằng câu trả lời có thể nằm ở việc không làm quá nhiều. Thay vì chạy theo những xu hướng dễ gây chú ý, Leoni đưa Calvin Klein trở về với tinh thần American Minimalism: coat, shirt, tailoring, trousers, pencil skirt và slip dress được xem như những “mảnh ghép nền tảng” của tủ đồ. Show diễn tại Terminal Warehouse ở New York cũng được đặt giữa các tác phẩm tối giản của Walter De Maria, biến cả không gian thành một tuyên ngôn về sự tiết chế.

CALVIN KLEIN SS27: CÀNG ÍT, CÀNG ĐÚNG CHẤT CALVIN KLEIN

Với menswear tại Milan vào tháng 6, Thom Browne lần đầu đưa show nam chính thức của mình đến thành phố này và dựng nên “Thom’s Garden” tại Palazzo Serbelloni. Không gian được sắp xếp theo dạng lưới với hàng trăm chậu hoa seersucker, tạo nên một khu vườn vừa có tính hình học vừa mang cảm giác như đang sống. Trên quần áo, ong, ếch, kiến, dế, chuồn chuồn và tổ ong xuất hiện qua thêu, intarsia, patchwork và các kỹ thuật xử lý bề mặt.<figure class="image"><img src="https://theimpression.com/wp-content/uploads/2026/06/oby01001-11952603.jpg" alt="Thom Browne Spring 2027 Men's Fashion Show | The Impression"><figcaption>Nguồn: The Impression</figcaption></figure>Nhưng điểm đáng nói nằm ở cách Browne xử lý chúng. Ông không bỏ tailoring để chạy theo một concept côn trùng, mà ngược lại, dùng côn trùng để làm mới chính hệ thống tailoring vốn đã quá quen thuộc.<figure class="image"><img src="https://theimpression.com/wp-content/uploads/2026/06/thom-browne-m-atm-s27-010.jpg" alt="Thom Browne Spring 2027 Men's Fashion Show Atmosphere | The Impression"><figcaption>Nguồn: The Impression</figcaption></figure>Những bộ suit xám, trắng và navy vẫn là nền tảng. Windowpane check, madras, seersucker, poplin và những cấu trúc jacket đặc trưng vẫn xuất hiện, nhưng được làm nhẹ hơn cho mùa Xuân/Hè. Sau đó, màu vàng, xanh lá, hồng và xanh trời được đưa vào như những mảng màu của một khu vườn. Trên nền đó, những chú ong, cánh chuồn chuồn hay hình tổ ong trở thành điểm nhấn thị giác.Điều này khiến SS27 khá đúng với cách Thom Browne vẫn thường làm: lấy một hệ thống rất quy củ rồi cố tình phá vỡ nó bằng những chi tiết có phần absurd. Một bộ suit vốn đại diện cho sự nghiêm túc nay lại có một chú ong đang “đậu” trên ve áo. Một chiếc coat vẫn giữ phom tailoring chuẩn chỉnh nhưng lại được phủ bằng hình ảnh côn trùng.Và chính sự đối lập này khiến bộ sưu tập không bị biến thành một màn hóa trang đơn thuần.

Từ những bộ suit nghiêm túc đến “khu vườn” của Thom Browne

Nếu menswear đặt côn trùng vào trong một khu vườn, thì womenswear tại New York lại đẩy câu chuyện đi xa hơn: biến cả runway thành một vòng đời của côn trùng.Show diễn tại The Shed được mở đầu bằng một chiếc kén khổng lồ, bao quanh bởi dây leo và lá cây. Những “con sâu” xuất hiện quanh kén trước khi một nhân vật được đưa vào bên trong. Đến cuối show, chiếc kén mở ra và người mẫu xuất hiện trong hình hài một con bướm.<figure class="image"><img src="https://fashionunited.com/img/upload/2026/09/16/thom-browne-s27-059-nm0frvko-2026-09-16.jpeg" alt="Thom Browne SS27 - Worldwide Fashion Design Lookbook"><figcaption>Nguồn: Fashion United</figcaption></figure>Trên trang phục, ý tưởng này cũng trở nên trực tiếp hơn. Bướm, ong và các loài côn trùng được thêu hoặc dệt lên tweed jacket, coat và tailoring. Những thiết kế khác mô phỏng trực tiếp cấu trúc cơ thể côn trùng: váy phồng gợi liên tưởng đến lớp vỏ, bodice lấy cảm hứng từ mắt và hàm côn trùng, trong khi corset và những đường gấp hình học mô phỏng cấu trúc của sâu bướm. Một thiết kế còn sử dụng dấu hiệu màu đỏ đặc trưng của black widow spider trên phần hông.<figure class="image"><img src="https://r.fashionunited.com/uIuaH65XBcMKSX98fg_hbZms5zWqgQjRTZbpHNjDzBA/resize:fill-down:1698:0:0/gravity:ce/quality:70/aHR0cHM6Ly9mYXNoaW9udW5pdGVkLmNvbS9pbWcvdXBsb2FkLzIwMjYvMDkvMTYvdGhvbS1icm93bmUtczI3LTAyMC1rOXJiMWloOC0yMDI2LTA5LTE2LmpwZWc" alt="Thom Browne SS27 - Worldwide Fashion Design Lookbook"><figcaption>Nguồn: Fashion United</figcaption></figure>Thom Browne cho biết A Bug’s Life là một trong những reference của mùa này, đồng thời muốn giữ tinh thần vui chơi để bộ sưu tập không trở nên quá nghiêm túc. Điều này khá quan trọng để hiểu SS27: đây không phải một bộ sưu tập cố gắng đưa ra một tuyên ngôn sinh thái hay khoa học về côn trùng. Nó đơn giản là một cách để Browne tiếp tục chơi với hình thể, cấu trúc và trí tưởng tượng.Và có lẽ đó cũng là điểm thú vị nhất của SS27. Sau nhiều mùa liên tục xây dựng những thế giới rất riêng, Thom Browne vẫn không cần phải thay đổi DNA để tạo cảm giác mới. Ông chỉ cần lấy một bộ suit, đặt nó vào một khu vườn, phủ lên đó vài chú ong, vài đôi cánh và một chiếc kén — thế là một thế giới Thom Browne khác lại xuất hiện.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/6aa9e050176399c62ff1d573/master/w_2560%2Cc_limit/ThomBrowne_NYFW_SS27_backstage_acielle_05.jpg" alt="Thom Browne Spring 2027 Ready-to-Wear Collection | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>SS27 thực chất vẫn xoay quanh một ý tưởng quen thuộc của nhà mốt: sự biến đổi của những quy tắc cũ để tạo ra một hình hài mới. Và lần này, Thom Browne chọn cách biến chính những bộ suit vốn nghiêm túc nhất của mình thành… những sinh vật đang sống.

Từ sâu thành bướm: Thom Browne đang nói về sự biến đổi

Thom Browne vốn chưa bao giờ làm thời trang theo cách quá “bình thường”. Nhưng với Spring/Summer 2027, nhà mốt Mỹ đưa sự kỳ quặc đặc trưng ấy vào một thế giới hoàn toàn khác: côn trùng. Từ ong, kiến, chuồn chuồn, dế cho đến bọ rùa và bướm, những sinh vật nhỏ bé trở thành một phần của tailoring, thay vì chỉ xuất hiện như họa tiết trang trí. Điều thú vị là dù concept có vẻ rất “fantasy”, Thom Browne vẫn giữ nguyên thứ làm nên nhận diện của mình: suit, cấu trúc, preppy và những tỷ lệ được kiểm soát chặt chẽ.

THOM BROWNE SS27: KHI TAILORING HÓA THÀNH CÔN TRÙNG

Điều đặc biệt của lần trở lại này nằm ở việc Céline không cố gắng tái tạo hình ảnh của chính mình trước khi biến mất khỏi sân khấu. Cô trở lại với một hình ảnh trưởng thành, kịch tính và thời trang hơn, biến mỗi lần xuất hiện thành một phần của câu chuyện comeback. Ngay từ khi đặt chân đến Paris cuối tháng 8, Céline đã liên tục xuất hiện trong những thiết kế từ Alaïa, Tom Ford, Loewe, Givenchy, Bottega Veneta và Saint Laurent, khiến những lần bước ra khỏi khách sạn cũng giống như một mini fashion show.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/47cf880e-c864-40c0-86fb-4d0a4df6af46.jpeg?crop=0.547xw:0.821xh;0.167xw,0.179xh&amp;resize=1120:*" alt="Celine Dion Makes Her First Appearance in Paris Ahead of Her Highly-Anticipated Concert Return"><figcaption>Nguồn: Harper's BAZAAR</figcaption></figure>Đến đêm diễn đầu tiên, thời trang tiếp tục trở thành một phần của sân khấu. Céline mở màn trong custom Dior của Jonathan Anderson: một thiết kế đen bằng mousseline và organza, với phần corset xếp ly và silhouette gợi lại tinh thần New Look của Dior. Đi cùng là chiếc necklace haute joaillerie từ Boucheron, mất tới 1.107 giờ chế tác.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/6c425ea5-d629-4b95-9122-e002a046984d.jpg?crop=1.00xw:1.00xh;0,0&amp;resize=2048:*" alt="singer performing passionately on stage in an ornate dark outfit."><figcaption>Nguồn: Harper's BAZAAR</figcaption></figure>Sau đó, cô chuyển sang Schiaparelli custom của Daniel Roseberry, gồm jacket và trousers với những chi tiết vàng lấy cảm hứng từ một thiết kế Schiaparelli năm 1937.Nhưng đó mới chỉ là phần mở đầu. Céline tiếp tục xuất hiện trong Alaïa với silhouette điêu khắc ôm sát cơ thể, rồi Tom Ford by Haider Ackermann với chiếc váy đen bằng silk crêpe phủ những chi tiết đính kết, biến sân khấu thành một runway thực thụ. Vogue France thậm chí mô tả màn comeback của cô như một “défilé de mode” — một fashion show ngay trên sân khấu.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/ac008a90-5e8d-4b8c-b1c0-4ede9264b542.jpeg?resize=980:*" alt="celine dion"><figcaption>Nguồn: Harper's BAZAAR</figcaption></figure>

Một Céline Dion khác sau 6 năm

Có một điều rất khác trong lần trở lại này: Céline không cần chứng minh rằng cô vẫn có thể là Céline của 10 hay 20 năm trước. Sau một khoảng thời gian dài đối mặt với vấn đề sức khỏe, cô đang trở lại với một cơ thể, một giọng hát và một sự nghiệp đã thay đổi. Chính cô cũng thừa nhận rằng lần trở lại sân khấu này là một cách để tiếp tục sống và hát theo cách của hiện tại.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/7742e1a6-853e-4435-9dc1-543113595636.jpeg?crop=0.285xw:0.688xh;0.359xw,0.113xh&amp;resize=2048:*" alt="Celine Dion Performs At Paris La Defense Arena"><figcaption>Nguồn: Harper's BAZAAR</figcaption></figure>Vì vậy, những bộ trang phục cầu kỳ không đơn thuần là “đồ diễn”. Chúng trở thành áo giáp của một biểu tượng đang trở lại. Dior mang tính lịch sử, Schiaparelli mang tính kịch tính, Alaïa tôn vinh hình thể, còn Tom Ford lại đưa vào đó sự sắc sảo và trưởng thành. Mỗi nhà mốt góp một phiên bản khác nhau của Céline, nhưng tất cả cùng phục vụ một thông điệp: cô đã trở lại, và lần này cô không cần phải quay về quá khứ để chứng minh điều đó.Đáng chú ý, màn comeback cũng cho thấy mối quan hệ ngày càng chặt giữa âm nhạc và thời trang. Một ngôi sao âm nhạc lớn ngày nay không chỉ được đánh giá qua giọng hát hay sân khấu, mà còn qua khả năng tạo ra hình ảnh đủ mạnh để tạo impact. Céline vốn đã có lịch sử với thời trang, nhưng sau 6 năm vắng bóng, việc cô liên tục xuất hiện trong những thiết kế đình đám khiến sự trở lại này giống một cultural comeback hơn là đơn thuần một concert.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/70afed8d-a369-4bba-8f7e-f5dc1aaa6b57.jpeg?crop=0.748xw:0.925xh;0.137xw,0.075xh&amp;resize=2048:*" alt="Celine Dion Performs At Paris La Defense Arena"><figcaption>Nguồn: Harper's BAZAAR</figcaption></figure>6 năm trước, Céline Dion rời sân khấu vì cơ thể không còn cho phép cô tiếp tục. 6 năm sau, cô trở lại giữa Paris, trong Dior, Schiaparelli, Alaïa và Tom Ford, trước hàng chục nghìn khán giả. Có thể giọng hát đã thay đổi, nhưng một điều dường như chưa bao giờ biến mất: khả năng biến mỗi lần Céline Dion xuất hiện thành một sự kiện.

Khi comeback không còn chỉ là chuyện trở lại

Sau gần 6 năm không có một concert hoàn chỉnh, Céline Dion cuối cùng cũng trở lại sân khấu Paris — và cô không trở lại một cách lặng lẽ. Ngày 12/9, trước hàng chục nghìn khán giả tại Plénitude Arena, nữ diva 58 tuổi mở màn cho chuỗi concert Céline Dion Paris 2026–2027, đánh dấu lần đầu tiên cô thực sự trở lại sân khấu kể từ khi phải tạm dừng sự nghiệp vì hội chứng người cứng (stiff-person syndrome). Nhưng nếu âm nhạc là lý do khán giả đến, thời trang lại là thứ khiến màn comeback này trở thành một sự kiện văn hóa đúng nghĩa.

CÉLINE DION TRỞ LẠI ĐẦY LỘNG LẪY SAU 6 NĂM

Điểm khó nhất của Armani nằm ở mức độ phụ thuộc đặc biệt vào Giorgio Armani. Khác với nhiều luxury house đã xây dựng hệ thống sáng tạo có khả năng thay thế founder qua nhiều thế hệ, Armani trong nhiều thập kỷ vẫn vận hành xoay quanh một cá nhân. Ông không chỉ là người sáng lập mà còn là “bộ lọc cuối cùng” của thương hiệu — người quyết định thế nào là Armani, từ một bộ suit mềm mại, bảng màu trung tính cho đến cách thương hiệu xuất hiện trước công chúng.<figure class="image"><img src="https://imgix.bustle.com/uploads/image/2025/1/29/82b1acf5/gettyimages-2196422636.jpg" alt="Armani Privé Couture Fetes 20 Years of Opulence in Paris"><figcaption>Nguồn: W Magazine</figcaption></figure>Điều này tạo ra một lợi thế cực lớn khi Giorgio Armani còn tại vị: Armani có một ngôn ngữ thẩm mỹ nhất quán đến mức chỉ cần nhìn silhouette, màu sắc hay cách xử lý chất liệu, người ta có thể nhận ra thương hiệu. Nhưng chính sự nhất quán ấy lại trở thành bài toán succession. Khi người tạo ra ngôn ngữ ấy không còn, ai sẽ có quyền diễn giải nó?<figure class="image"><img src="https://theimpression.com/wp-content/uploads/2024/07/Armani-Summer-2024-News-The-Impression-001.jpg" alt="Giorgio Armani to Hold Spring 2025 Show in New York | The Impression"><figcaption>&nbsp;Nguồn: The Impression</figcaption></figure>Armani hiện phải tìm cách cân bằng giữa hai nhu cầu tưởng như đối lập: bảo vệ di sản và tạo ra tăng trưởng mới. Các cộng sự lâu năm, trong đó có Leo Dell’Orco, đang đóng vai trò quan trọng trong việc duy trì định hướng sáng tạo sau thời Giorgio Armani. Tuy nhiên, thương hiệu cũng không thể chỉ sống bằng việc lặp lại những gì founder đã làm. Một luxury house muốn tồn tại thêm vài thập kỷ buộc phải tìm được cách tiến hóa mà không trở thành một thương hiệu hoàn toàn khác.<figure class="image"><img src="https://www.reuters.com/resizer/v2/LXQEPTZC35JJTJWQPFQAZYZU5A.jpg?auth=c94fa982accf354c8245c3912b0ab714baf6f44bb5e89da67b393b1ab27bc0c6&amp;height=2400&amp;width=1920&amp;quality=80&amp;smart=true" alt="Giorgio Armani Prive shows glittering black velvet on Paris runway | Reuters"><figcaption>Nguồn: Reuter</figcaption></figure>Đây cũng là lý do những năm tới có thể trở thành giai đoạn quan trọng nhất của Armani. Thương hiệu vẫn có quy mô lớn, nền tảng tài chính tương đối vững và một cái tên có giá trị toàn cầu. Nhưng trong luxury, di sản chỉ có giá trị khi nó tiếp tục tạo ra nhu cầu mới. Nếu quá bảo thủ, Armani có nguy cơ trở nên già nua; nếu thay đổi quá mạnh, thương hiệu lại có thể đánh mất thứ mà khách hàng đang trả tiền để sở hữu: chính chất Armani.

Khi thương hiệu phải sống mà không còn founder

Điều thú vị là Giorgio Armani đã chuẩn bị khá cụ thể cho tương lai của tập đoàn trong di chúc. Ông yêu cầu bán khoảng 15% cổ phần trong vòng 12–18 tháng, với những đối tác được ưu tiên gồm LVMH, L’Oréal hoặc EssilorLuxottica. Sau đó, trong khoảng 3–5 năm, Armani có thể tiếp tục bán thêm cổ phần hoặc tiến tới niêm yết trên thị trường chứng khoán. Trong khi đó, Armani Foundation được thiết kế để duy trì một tỷ lệ sở hữu đáng kể nhằm bảo vệ định hướng và di sản của nhà sáng lập.<figure class="image"><img src="https://www.reuters.com/resizer/v2/NPLK63Y6PFDUBIQLXW32SKLTSQ.jpg?auth=74064180f25a000b0d47a10d177880ce015f848b7dd1298a710d394d498f7b6d&amp;width=1920&amp;quality=80" alt="Giorgio Armani's understated runway style - September 4, 2025 | Reuters"><figcaption>Nguồn: Reuter</figcaption></figure>Cấu trúc này cho thấy Armani không muốn tương lai của mình đơn giản là bán đứt cho một tập đoàn luxury khác. Giorgio Armani dường như muốn tạo ra một khoảng đệm giữa hai mục tiêu: đưa nguồn lực và chuyên môn bên ngoài vào để thương hiệu tiếp tục tăng trưởng, nhưng vẫn giữ quyền kiểm soát đủ lớn để những giá trị ông xây dựng không bị thương mại hóa quá mức.<figure class="image"><img src="https://images.theconversation.com/files/689280/original/file-20250904-64-4yf0fl.jpg?ixlib=rb-4.1.1&amp;q=45&amp;auto=format&amp;w=1000&amp;fit=clip" alt="Fashion icon Giorgio Armani's impact and legacy will be felt for decades to come"><figcaption>Nguồn: The Conversation</figcaption></figure>Và đây mới là phần đáng chú ý nhất. Nếu một cái tên như LVMH bước vào Armani, thương hiệu có thể có thêm nguồn lực để mở rộng retail, beauty, hospitality và các thị trường mới. Nhưng đổi lại, Armani sẽ phải chứng minh rằng mình có thể tạo ra tăng trưởng đủ hấp dẫn mà không đánh đổi tính độc lập — thứ vốn là một phần rất lớn trong giá trị của thương hiệu.Giorgio Armani đã để lại cho thương hiệu một kế hoạch kế vị, nhưng không thể để lại chính mình. Và giờ, Armani phải chứng minh rằng cái tên “Armani” đủ lớn để tồn tại sau người đã tạo ra nó.

Di chúc của Giorgio Armani và cuộc chơi kế vị

Giorgio Armani qua đời ở tuổi 91 vào tháng 9/2025, khép lại gần nửa thế kỷ ông trực tiếp định hình thương hiệu mang tên mình. Nhưng với Armani, sự ra đi ấy không đơn thuần là mất đi một nhà sáng lập, mà là mất đi người đã quyết định gần như mọi thứ: từ thiết kế, hình ảnh đến chiến lược kinh doanh. Một năm sau, Armani đang đứng trước bài toán khó nhất lịch sử: làm thế nào để tiếp tục phát triển mà không đánh mất chính DNA đã làm nên giá trị của mình? Năm 2025, doanh thu Armani Group giảm 2,8% xuống khoảng 2,19 tỷ euro, cho thấy thương hiệu bước vào giai đoạn chuyển giao đúng lúc ngành luxury cũng đang chịu áp lực tăng trưởng.

ARMANI "LOAY HOAY" SAU SỰ RA ĐI CỦA NHÀ SÁNG LẬP

Điểm đáng chú ý của Hộ Linh Tráng Sĩ là ê-kíp không xây dựng Việt phục như những bộ costume độc lập, mà cố gắng tạo ra một hệ sinh thái trang phục, trong đó quần áo phản ánh xuất thân, địa vị, môi trường sống và văn hóa của từng nhân vật. Dưới sự định hướng của nhà thiết kế Bao Tranchi cùng nhà thiết kế Mai Lâm, phục trang được phát triển dựa trên các nghiên cứu và tư liệu còn lại, sau đó được chuyển hóa để phù hợp với ngôn ngữ điện ảnh.<figure class="image"><img src="https://kenh14cdn.com/203336854389633024/2026/4/16/anh1-5-1776349888130-17763498884381576998020.jpg" alt="Hộ Linh Tráng Sĩ: Bí Ẩn Mộ Vua Đinh - Phim cổ trang Việt hot nhất 2026"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Với Nguyên Phong do Tuấn Trần thủ vai, Việt phục mang đậm hơi thở núi rừng. Xuất thân là một thợ săn, nhân vật mặc những lớp vải thô màu nâu đất, được xử lý sờn cũ và chắp vá để tạo cảm giác đã thực sự trải qua đời sống khắc nghiệt. Những mô-típ hình học trên vai áo lấy cảm hứng từ nghệ thuật dệt cạp váy Mường, trong khi vòng cổ bằng dây rừng và những lóng tre nhỏ tiếp tục củng cố hình ảnh một nhân vật gắn với thiên nhiên.<figure class="image"><img src="https://cdn2.tuoitre.vn/thumb_w/730/471584752817336320/2026/8/24/geminigeneratedimagexj4htkxj4htkxj4h-1787546171734519312478.png" alt="Chàng trai gốc Việt đóng Hộ linh tráng sĩ: Học cách đóng cảnh hành động từ chị dâu Ngô Thanh Vân - Tuổi Trẻ Online"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Một tráng sĩ khác do Đăng Trần thủ vai lại đại diện cho không gian sông nước. Áo thô dệt ô vuông gợi liên tưởng đến lưới đánh cá, kết hợp lớp áo lam sẫm và tay áo được xử lý sờn để lộ những hình xăm. Chi tiết này liên hệ với tục xăm mình của người Việt cổ, cho thấy phục trang không chỉ mô tả vẻ ngoài mà còn có thể gợi lại tập quán và môi trường sinh tồn của một cộng đồng.<figure class="image"><img src="https://marieclaire.vn/media/full/2026/04/ho_linh_trang_si_8-jpg.jpg" alt="Hộ linh tráng sĩ: Bí ẩn mộ vua Đinh': Giấc mơ tham vọng của dòng phim huyền sử"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Trong khi đó, Thầy Mo do NSND Tự Long thủ vai mở ra một lớp văn hóa khác. Áo màu gụ, mũ, đai lưng và túi phép bằng thổ cẩm được kết hợp với kỹ thuật thêu nổi; chiếc mũ cũng được nghiên cứu và phỏng dựng từ những mẫu mũ tế lễ. Nhân vật vì thế không chỉ mang một bộ trang phục dân gian mà còn mang theo cả dấu vết của đời sống tín ngưỡng bản địa.

Từ núi rừng, sông nước đến cung đình: một thế giới Việt phục được phỏng dựng

Nếu tuyến tráng sĩ cho thấy một Việt Nam gần với đời sống dân gian, nhóm nhân vật cung đình lại đưa phục trang sang một ngôn ngữ biểu tượng hơn. Hữu Tướng quân do Johnny Trí Nguyễn thủ vai xuất hiện trong bộ lễ phục có phom áo thụng nhưng được xử lý cứng cáp hơn, với những hoa văn hoa chanh bốn cánh đúc đồng thủ công và các chi tiết kim loại được gia công riêng. Một số mô-típ được lấy cảm hứng từ gốm hoa nâu và vật liệu kiến trúc thời Lý – Trần.<figure class="image"><img src="https://vcdn1-giaitri.vnecdn.net/2026/06/30/johnny-ho-linh-trang-si-1-1782-9083-3611-1782816870.jpg?w=1020&amp;h=0&amp;q=100&amp;dpr=2&amp;fit=crop&amp;s=TZL_Yv9d5gZm--2RR9ye7g" alt="Hậu trường Johnny Trí Nguyễn đóng võ tướng 'Hộ linh tráng sĩ' - Báo VnExpress Giải trí"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Đặc biệt, Hoàng hậu họ Dương do Đỗ Thị Hải Yến thủ vai cho thấy cách phục trang có thể kể chuyện mà không cần lời thoại. Kiểu tóc búi cao được phỏng dựng từ hình tượng đầu tượng người thời Lý tại Hoàng thành Thăng Long. Trong cảnh đại tang, nhân vật mặc áo trảm thôi — cấp bậc tang phục cao nhất trong chế định Ngũ phục — với chất liệu thô sẫm và phần gấu giữ nguyên sợi vải xơ. Hoa cúc phía sau áo được thực hiện bằng kỹ thuật thêu độn nổi, tạo nên một chi tiết thủ công vừa tinh tế vừa mang tính biểu tượng.<figure class="image"><img src="https://cdn-images.vtv.vn/66349b6076cb4dee98746cf1/2026/04/08/2c25bc32-e79a-409b-9189-ef04eadf0194-61124274874076523948982.jpg" alt="Đỗ Thị Hải Yến hé lộ trang phục hoàng hậu trong 'Hộ linh tráng sĩ'"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Những nhân vật khác trong triều đình cũng được phân tầng bằng trang phục. Nữ quan Phạm Thị Trân sử dụng phom áo tứ điên cùng các dải hoa sen cách điệu; quan văn mang sắc xanh lam trầm với hoa văn lấy cảm hứng từ gạch đất nung thời Lý và hình ảnh sứ đoàn Đại Việt; trong khi hoạn quan được tiết chế bằng gấm tối màu và một dải đai đỏ.<figure class="image"><img src="https://thegioidienanh.vn/stores/news_dataimages/2026/082026/01/13/lb-687120260801134309.jpg?rt=20260801134330" alt="Thúy Hiền mang khí chất nữ tráng sĩ, tái xuất đầy kỳ vọng trong &quot;Hộ linh tráng sĩ – Bí ẩn mộ vua Đinh&quot;"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Điều đáng nói nhất ở đây là ê-kíp không tuyên bố đang phục dựng nguyên mẫu lịch sử tuyệt đối. Với một giai đoạn như thời Đinh, khi nguồn tư liệu trực tiếp về trang phục còn thiếu, việc phỏng dựng và diễn giải gần như là lựa chọn bắt buộc. Giá trị của dự án nằm ở nỗ lực tìm kiếm những dấu vết Việt Nam từ khảo cổ, mỹ thuật, văn hóa dân gian và thủ công truyền thống, rồi đưa chúng vào một hệ thống phục trang có tính điện ảnh.Và đó cũng là điều khiến Việt phục trong Hộ Linh Tráng Sĩ đáng được quan tâm. Một bộ áo đẹp có thể gây ấn tượng trong vài giây, nhưng một hệ thống phục trang có nghiên cứu có thể giúp khán giả hiểu thêm về cả một thế giới. Từ núi rừng đến sông nước, từ đời sống tín ngưỡng đến cung đình, bộ phim đang thử dùng quần áo để kể về con người Việt Nam của hơn một thiên niên kỷ trước.Sau nhiều năm cổ trang Việt thường phải đối mặt với câu hỏi “có giống Trung Quốc không?”, Hộ Linh Tráng Sĩ đang đặt ra một câu hỏi thú vị hơn: “Nếu muốn khán giả nhìn vào và nhận ra đây là Việt Nam, chúng ta phải kể câu chuyện ấy bằng những gì?” Và lần này, câu trả lời có thể nằm ngay trên từng lớp vải, hoa văn, chiếc mũ, bộ giáp và những kỹ thuật thủ công được đưa lên màn ảnh.

Khi Việt phục trở thành ngôn ngữ nhận diện của quyền lực

Nếu điện ảnh có thể giúp một triều đại đã tồn tại hơn 1.000 năm trở nên gần gũi với khán giả hôm nay, thì phục trang chính là một trong những ngôn ngữ trực quan nhất. Với Hộ Linh Tráng Sĩ – Bí ẩn mộ Vua Đinh, Việt phục không chỉ làm nhiệm vụ tái hiện một thời kỳ lịch sử, mà còn được đầu tư như một phần quan trọng để xây dựng thế giới của bộ phim. Trong bối cảnh tư liệu về trang phục thời Đinh còn hạn chế, ê-kíp lựa chọn hướng nghiên cứu, phỏng dựng và diễn giải từ các dấu tích khảo cổ, mỹ thuật, trang phục dân gian và văn hóa bản địa, thay vì đơn thuần sao chép hình ảnh cổ trang quen thuộc. Từ hoàng hậu, quan văn, võ tướng cho đến những tráng sĩ xuất thân từ núi rừng, sông nước hay thầy mo, mỗi nhân vật được trao một hệ thống trang phục riêng, qua đó mở ra một cách nhìn nhiều lớp hơn về diện mạo người Việt xưa.

VIỆT PHỤC TRONG HỘ LINH TRÁNG SĨ: KHI LỊCH SỬ ĐƯỢC KỂ BẰNG NHỮNG LỚP VẢI

Khi Matthieu Blazy được bổ nhiệm thay Virginie Viard, bài toán dành cho anh không hề đơn giản. Chanel là một trong những thương hiệu hiếm hoi mà khách hàng không chỉ mua sản phẩm, mà còn mua cả một hệ thống biểu tượng đã được định hình qua nhiều thế hệ: tweed, túi flap, giày two-tone, hoa trà, ngọc trai và logo double-C. Bất kỳ nỗ lực thay đổi nào cũng dễ bị nhìn nhận như một sự phản bội di sản.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://theimpression.com/wp-content/uploads/2025/10/csc0471-11786926.jpg" alt="Chanel Spring 2026 Fashion Show | The Impression"><figcaption>Nguồn: The Impressions</figcaption></figure>Nhưng Blazy dường như không chọn cách bảo tồn Chanel bằng việc đóng băng Chanel. Thay vào đó, anh lấy chính những mã nhận diện quen thuộc của nhà mốt làm nguyên liệu để biến đổi. Chiếc flap bag trở nên mềm mại và slouchy hơn với mẫu maxi flap bằng da; tweed được xử lý theo hướng sáng màu, tua rua và trẻ trung hơn; những đôi giày two-tone kinh điển xuất hiện với bảng màu mới như xanh bạc hà và đen. Reuters ghi nhận một số thiết kế mới thậm chí nhanh chóng rơi vào tình trạng khan hàng khi nhu cầu vượt nguồn cung.<figure class="image"><img src="https://www.chanel.com/images/q_auto:good,f_auto,fl_lossy,dpr_1.1/w_960/FSH-1783516207424-021.jpg" alt="CHANEL Fall Winter 2026 Haute Couture Show - Look 21 — Fashion | CHANEL"><figcaption>Nguồn: CHANEL</figcaption></figure>Đây chính là điểm đáng chú ý nhất trong chiến lược của Blazy: anh không cố tạo ra một Chanel hoàn toàn mới, mà khiến Chanel cũ trở nên đáng khao khát một lần nữa. Cách làm này cũng không hoàn toàn xa lạ với lịch sử nhà mốt. Chanel từng nhiều lần sống sót bằng cách cho phép các nhà thiết kế diễn giải lại những biểu tượng cũ theo tinh thần của thời đại. Ngay cả Karl Lagerfeld, người đã biến Chanel thành một đế chế thời trang hiện đại, cũng từng phải đối diện với sự hoài nghi khi bắt đầu thay đổi DNA của nhà mốt. Vấn đề không phải là Chanel có thay đổi hay không, mà là ai có thể thay đổi Chanel mà vẫn khiến người ta nhận ra đó là Chanel. Và Blazy đang cho thấy mình có khả năng làm điều đó.<figure class="image"><img src="https://elitetraveler.com/wp-content/uploads/sites/8/2026/01/chanel-haute-couture.jpg" alt="Paris Couture Week SS26: How Dior &amp; Chanel Redefined Fantasy"><figcaption>Nguồn: Elite Traveler</figcaption></figure>

KHI “LÀM MẤT CHẤT CHANEL” LẠI TRỞ THÀNH CÁCH CỨU CHANEL

Sự thành công của Blazy đặc biệt đáng chú ý bởi Chanel vừa trải qua một giai đoạn không mấy dễ dàng. Năm 2024, doanh thu thương hiệu giảm 4,3% xuống 18,7 tỷ USD, trong khi lợi nhuận hoạt động giảm tới 30%. Đến năm 2025, doanh thu đã tăng trở lại 2% lên 19,3 tỷ USD và lợi nhuận hoạt động tăng 5% lên 4,7 tỷ USD. Chanel cho biết năm 2025 là một năm có “creative momentum” mạnh, với ready-to-wear và các sản phẩm mới đóng vai trò quan trọng trong kết quả kinh doanh.<figure class="image"><img src="https://media.saclab.com/2026/03/Chanel_Fall_Winter_2026_Croc_Bag_clp-F26-160.webp" alt="Chanel Fall/Winter 2026 Runway Bags | SACLÀB"><figcaption>Nguồn: CHANEL</figcaption></figure>Tuy nhiên, điều đáng giá nhất có lẽ không nằm ở con số 2%, mà nằm ở khách hàng mới. Simon Longland, giám đốc mua hàng của Harrods, nói với Reuters rằng việc Chanel thu hút những khách hàng trước đây chưa từng mua thương hiệu là “phenomenal”. Nói cách khác, Blazy không chỉ khiến khách hàng cũ mua thêm một chiếc Chanel khác; anh đang khiến những người vốn không xem Chanel là lựa chọn của mình bắt đầu bước vào cửa hàng. Đây là một thành công đặc biệt quan trọng trong thời kỳ luxury fatigue, khi người tiêu dùng ngày càng mệt mỏi với những sản phẩm quá giống nhau, những logo quá quen thuộc và những đợt tăng giá liên tục<figure class="image"><img src="https://www.chanel.com/images/q_auto:good,f_auto,fl_lossy,dpr_1.1/w_960/FSH-1771232086757-069cover01.jpg" alt="Spring Summer 2026 - Look 69 — Fashion | CHANEL"><figcaption>Nguồn: CHANEL</figcaption></figure>.Một chiếc Chanel mới không còn chỉ cần đẹp. Nó phải khiến khách hàng muốn có nó ngay bây giờ. Và Blazy đã tạo ra chính cảm giác đó. Những chiếc maxi flap, tweed jacket nhiều màu hay những đôi giày được biến tấu không nhất thiết phải được tất cả khách hàng Chanel yêu thích. Thậm chí vẫn tồn tại những ý kiến cho rằng Chanel dưới thời Blazy quá khác biệt, quá trẻ hoặc quá gần với ngôn ngữ từng thấy ở Bottega Veneta. Nhưng paradox nằm ở đây: một bộ sưu tập không cần được tất cả mọi người yêu thích để trở thành một bộ sưu tập thành công. Nó chỉ cần khiến đủ nhiều người cảm thấy Chanel một lần nữa đáng để nói về. Và khi những sản phẩm được nói đến nhiều lại bán nhanh hơn khả năng cung ứng, tranh luận về việc Blazy có “làm mất chất Chanel” hay không bắt đầu trở nên ít quan trọng hơn.<figure class="image"><img src="https://www.chanel.com/images/as///f_auto,q_auto:good,dpr_1.1/w_3200/-81194749.jpg%203200w" alt="Jacket - Vải tweed từ lụa, đen &amp; trắng — Thời trang | CHANEL"><figcaption>Nguồn: CHANEL</figcaption></figure>Bởi trong thời trang xa xỉ, sự tranh cãi có thể tạo ra attention, nhưng chỉ doanh số mới biến attention thành business. 16% từng là tốc độ tăng trưởng doanh thu đáng chú ý của Chanel trong năm 2023, khi nhà mốt đạt 19,7 tỷ USD. Hai năm sau, thương hiệu phải đi qua một cú giảm tốc 4,3% trước khi trở lại tăng trưởng. Vì thế, câu chuyện Matthieu Blazy tại Chanel không nên được đọc đơn giản là “designer mới giúp doanh thu tăng”. Đó là câu chuyện về cách một thương hiệu hơn một thế kỷ tuổi tự làm mới mình mà không cần từ bỏ những gì khiến nó trở thành Chanel ngay từ đầu. Có thể Blazy đang làm Chanel khác đi. Có thể một bộ phận khách hàng cũ sẽ tiếp tục nhớ một Chanel mềm mại, nữ tính và cổ điển hơn. Nhưng nếu mục tiêu của một nhà mốt là tiếp tục được thế hệ tiếp theo khao khát, thì đôi khi “làm mất chất” một chút lại chính là cách giữ Chanel sống lâu hơn.

TỪ “MẤT CHẤT” ĐẾN THU HÚT KHÁCH HÀNG MỚI

Từng bị hoài nghi vì những thiết kế bị cho là quá khác biệt với hình ảnh Chanel truyền thống, Matthieu Blazy giờ đây đang có trong tay thứ thuyết phục nhất để trả lời những lời chỉ trích: sức mua. Sau một năm 2024 đầy khó khăn, Chanel đã quay lại tăng trưởng trong năm 2025, với doanh thu đạt 19,3 tỷ USD, tăng 2% theo tỷ giá cố định. Đáng chú ý, những thiết kế đầu tiên của Blazy khi chính thức lên kệ từ tháng 3/2026 nhanh chóng tạo ra nhu cầu vượt nguồn cung và thu hút một nhóm khách hàng mới đến với nhà mốt.

BẤT CHẤP CHÊ BAI, MATTHIEU BLAZY ĐANG GIÚP CHANEL LẤY LẠI ĐÀ TĂNG TRƯỞNG

Ngay từ khi thành lập vào năm 1983, Franco Moschino đã không xây dựng Moschino như một thương hiệu xa xỉ truyền thống. Thay vì tôn vinh sự hào nhoáng, ông dùng thời trang để châm biếm chính ngành công nghiệp này, biến logo, biểu tượng xa xỉ và văn hóa tiêu dùng thành những trò đùa đầy tính phản biện. Moschino vì thế luôn mang tinh thần nổi loạn, hài hước nhưng vẫn chứa đựng góc nhìn sắc sảo về thời trang.<figure class="image"><img src="https://media.glamour.com/photos/56e1f59562b398fa64cbd9bf/master/w_1600%2Cc_limit/fashion-2016-02-moschino-fall-2016-7-main.jpg" alt="Anna Cleveland and Dresses on Fire at the Moschino Fall 2016 Show at Milan Fashion Week | Glamour"><figcaption>Nguồn: Glamour</figcaption></figure>Thương hiệu thực sự bước vào thời kỳ bùng nổ khi Jeremy Scott trở thành Giám đốc Sáng tạo vào năm 2013. Jeremy đưa Moschino hòa vào kỷ nguyên mạng xã hội với hàng loạt bộ sưu tập lấy cảm hứng từ Barbie, McDonald's, Looney Tunes, SpongeBob hay những vật dụng đời thường. Trong thời đại Instagram, đây gần như là công thức hoàn hảo: thiết kế càng gây sốc, càng dễ viral. Những ngôi sao như Katy Perry, Miley Cyrus hay Nicki Minaj liên tục diện Moschino, giúp thương hiệu trở thành một trong những biểu tượng lớn nhất của làn sóng logomania và maximalism suốt thập niên 2010.<figure class="image"><img src="https://wwd.com/wp-content/uploads/2015/10/moschino-fashion-scoop-102615-01.jpeg" alt="Moschino Creates Barbie Doll and Capsule Collection"><figcaption>Nguồn: Moschino</figcaption></figure>

Moschino từng thay đổi cuộc chơi bằng chính sự châm biếm

Vấn đề của Moschino không nằm ở việc họ quá khác biệt, mà ở chỗ thương hiệu gần như không thay đổi khi thế giới đã thay đổi. Sau nhiều mùa mốt, công thức "pop culture + gây sốc + màu sắc rực rỡ" dần bị lặp lại, khiến yếu tố bất ngờ biến mất. Điều từng là sự châm biếm thông minh bắt đầu bị nhìn nhận như những màn hóa trang thiên về hiệu ứng truyền thông hơn là sáng tạo thời trang.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/gettyimages-1041685418.jpg?crop=1xw:1xh;center,top&amp;resize=980:*" alt="Panic On The Catwalk As Jeremy Scott 'Fails' To Finish His SS19 Moschino Collection In Time"><figcaption>Nguồn: ELLE</figcaption></figure>Cùng lúc đó, gu thẩm mỹ của thị trường xa xỉ cũng dịch chuyển. Sau thời kỳ logo khổng lồ và phong cách maximalism, người tiêu dùng ngày càng hướng đến quiet luxury, tay nghề thủ công và những thiết kế có giá trị lâu dài. Khi khách hàng sẵn sàng chi hàng nghìn USD cho một món đồ, họ không còn tìm kiếm một chiếc váy chỉ để gây chú ý trên mạng xã hội mà muốn đầu tư vào chất lượng, tính ứng dụng và di sản thương hiệu.<figure class="image"><img src="https://images2.thanhnien.vn/uploaded/thuyttl/2021_09_10/moschino_ss22/13_moschino-rtw-spring-22_VKJU.jpg?width=500" alt="Gigi Hadid, Irina Shayk, Taylor Hill... trình diễn thời trang của thương hiệu Moschino Xuân Hè 2022"><figcaption>Nguồn: Sưu tầm</figcaption></figure>Moschino còn phải đối mặt với một thách thức khác: chính ngôn ngữ thiết kế của họ quá dễ bị sao chép. Những thiết kế vui nhộn, hoạt hình hay slogan táo bạo nhanh chóng được fast fashion tái hiện với giá rẻ, khiến yếu tố độc bản – vốn là lợi thế của thời trang xa xỉ – dần biến mất. Trong khi các nhà mốt khác chuyển sang nhấn mạnh kỹ thuật may đo, chất liệu và tay nghề thủ công để tạo khoảng cách với thị trường đại chúng, Moschino vẫn bị mắc kẹt với hình ảnh của một thương hiệu nổi tiếng nhờ những khoảnh khắc viral.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/68d5a243078dcd7e33cb1a2c/master/w_1280%2Cc_limit/00001-moschino-spring-2026-ready-to-wear-credit-gorunway.jpg" alt="Moschino Spring 2026 Ready-to-Wear Collection | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Sau khi Jeremy Scott rời thương hiệu vào năm 2023, Adrian Appiolaza được kỳ vọng sẽ đưa Moschino trở về với tinh thần nguyên bản của Franco Moschino: hài hước nhưng tinh tế, châm biếm nhưng có chiều sâu, thay vì chỉ tạo ra những cú sốc thị giác. Bởi bài học lớn nhất của Moschino có lẽ không phải việc một thương hiệu từng "sến" đi, mà là việc trong thời trang, sự khác biệt chỉ có thể trở thành giá trị lâu dài khi nó không ngừng tiến hóa cùng thị hiếu của người tiêu dùng.

Nhưng công thức tạo nên thành công cũng trở thành giới hạn của thương hiệu

Có một thời, Moschino là cái tên định nghĩa cho sự táo bạo của thời trang xa xỉ. Những chiếc váy lấy cảm hứng từ McDonald's, túi xách hình hộp khoai tây chiên, đầm Barbie hay SpongeBob không chỉ phủ sóng các tuần lễ thời trang mà còn thống trị Instagram và văn hóa đại chúng. Từng được xem là thương hiệu "không giống ai", Moschino giờ đây lại thường xuyên xuất hiện trong các cuộc tranh luận như biểu tượng của sự phô trương, lỗi thời và thậm chí là "sến sẩm". Điều gì đã khiến một nhà mốt từng dẫn đầu xu hướng lại dần đánh mất sức hút của mình?

MOSCHINO: TỪ HIỆN TƯỢNG THỜI TRANG ĐẾN BIỂU TƯỢNG "SẾN SẨM" BỊ QUAY LƯNG

Nhà sáng lập của A&amp;G - &nbsp;Mohammed Amal Guessous vốn là một trong những nhà thiết kế tiên phong cho thiết kế thánh giá trên trang sức bạc. Ông chính là người đóng góp quan trọng vào việc định hình ngôn ngữ thiết kế sơ khai của phong cách rock n roll cổ điển: sự kết hợp giữa bạc 925, chất liệu da thuộc cao cấp và các biểu tượng Gothic như thánh giá hay hoa bách hợp.<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=a6kmkW0kcZhJfxtGV6Xmtg&amp;__expires=1784782866&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-iad3-1.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F752534389_18436138099192557_2770494335418678068_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_p1170x1170_sh2.08_tt6%26_nc_cat%3D101%26ig_cache_key%3DMzk0NjI1NDYxNTQ1MTUyMzk1Ng%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMzI3Ny5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3Dt0eiKMXz-2IQ7kNvwEN9EAe%26_nc_oc%3DAdrFpmtYPAx2C5iIlpG6541mNzQ7ynUIKP4MEuTeQhuaY1-OYwPo8qq2IdFo-JyO96mjy2N7fp9YOowZdvLTChpH%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-iad3-1.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DNqwI6mmwfTxahDQhhOtnsQ%26_nc_ss%3D7839b%26oh%3D00_AQCm1V6kRiisJ2mVecsqF-Xgf8eu-rDLJEh1IFOptJVspA%26oe%3D6A6772EE&amp;filename=752534389_18436138099192557_2770494335418678068_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: Amal Guesos</figcaption></figure>Vì các thiết kế quá dổi giống nhau, Chrome Hearts sau đó đâm đơn kiện Amal Guessous ra Tòa án Liên bang Mỹ vào năm 1996 và cáo buộc A&amp;G vi phạm bản quyền và sao chép các họa tiết thánh giá Gothic đặc trưng. Thế nhưng, ông lớn này ngay lập tức bị tát một cú đau đớn khi họa tiết thánh giá Gothic hay hoa bách hợp thuộc về di sản nghề kim hoàn truyền thống đã tồn tại hàng trăm năm, chứ không phải tài sản trí tuệ do Chrome Hearts tự nghĩ ra.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=xN2dIASlbdK4ARs_m5KYSA&amp;__expires=1784782963&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-iad3-2.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F658420417_18385398877086825_7210226299757714502_n.webp%3Fstp%3Ddst-webp_s1170x1170_sh2.08%26_nc_cat%3D111%26ig_cache_key%3DMjcxMzIzMDgwNDY3MzkzMDM1NQ%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMTQ0MC5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3D8HQB0n4dLT4Q7kNvwGtsWY2%26_nc_oc%3DAdotRmcjit_z6NnVe94zm8H2pOlZjeskCiHvI41SAt7ADJY6DvYAENSZRfb5LaVZMBVnC14I9W5BKDm4t0LnDlf4%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-iad3-2.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DQ4E3fB8bUpZs164oxI9yRw%26_nc_ss%3D7839b%26oh%3D00_AQCvoCK23Cx_1JyUVdYnMpYKmstCYwSDY1Zw2gBf8gEEbQ%26oe%3D6A676817&amp;filename=658420417_18385398877086825_7210226299757714502_n.webp" alt="preview"><figcaption>Nguồn: Amal Guesos</figcaption></figure>Kết quả, năm 1999, trước những luận điểm cứng rắn từ phía A&amp;G, Chrome Hearts buộc phải chấp nhận thỏa thuận hòa giải và ký vào cam kết pháp lý "Covenant Not to Sue" (Cam kết không khởi kiện). Cam kết này có giá trị vĩnh viễn, cấm Chrome Hearts kiện Amal Guessous và A&amp;G về các cáo buộc vi phạm kiểu dáng thương mại (Trade Dress) hay họa tiết tương đồng trên thị trường Mỹ. A&amp;G trở thành thương hiệu hiếm hoi quật ngã bộ máy pháp lý của Chrome Hearts, khẳng định vị thế chính danh của mình trong làng bạc thủ công.

Chrome Hearts vs Amal Guessos

Nhìn lại lịch sử của Chrome Hearts, năm 1988, thương hiệu được thành lập bởi ba người: Richard Stark, John Bowman và Leonard Kamhout. Trong bộ ba này, Richard Stark là kẻ giỏi làm hình ảnh, còn Leonard Kamhout mới chính là Master Silversmith, người trực tiếp đứng ở xưởng đúc, thiết kế khuôn mẫu và tạo nên cấu trúc Bạc 925 nặng đô định hình nên toàn bộ tiếng tăm của Chrome Hearts thời kỳ đầu<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=09al-PwUrAiwYiiyJQnWuw&amp;__expires=1784783601&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-iad6-1.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F626045382_18106089289688180_6057924073520619766_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_tt6%26_nc_cat%3D106%26ig_cache_key%3DMzE3Njg1NjE3NjQ5ODI3NDk2OA%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkZFRUQueHBpZHMuNzkyLnNkci5yZWd1bGFyX3Bob3RvLkMzIn0%253D%26_nc_ohc%3DFEBwEKXRtg8Q7kNvwEo0fWO%26_nc_oc%3DAdpFNQrqnNmV1JqgN3a5XQYZhdaFtyl-HLIidvY_5u1XgR64KzemJdyhu2Kg0-GO88xX3tjYQWdevaIemOlHMbQW%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-iad6-1.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DYCvLOplrI7VRKhqBxeWyMA%26_nc_ss%3D7839b%26oh%3D00_AQAZGbWc3jZoOa9coLj1Zbd7W7GDLzxpfgzICrZvq-QZtQ%26oe%3D6A676272&amp;filename=626045382_18106089289688180_6057924073520619766_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: Lone Ones</figcaption></figure>Năm 1994, sau khi cùng Chrome Hearts chạm tay vào giải thưởng CFDA danh giá cho hạng mục Phụ kiện, Leonard Kamhout bắt đầu nhận ra sự tha hóa của thương hiệu khi quá tập trung vào thương mại hóa và sản xuất đại trà. Ông quyết định nhận tiền buyout, từ bỏ cổ phần tại Chrome Hearts và chuyển sang Pháp để tìm kiếm cảm hứng sáng tạo mới. Năm 1996, ông cùng Devon Wheeler thành lập thương hiệu mang chính tên mình — Leonard Kamhout (sau này đổi tên thành LONE ONES).<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=lFjQd38r_D4bVzARnE9Erg&amp;__expires=1784783116&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-iad6-1.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F706143448_18137089276542062_5516909348591916691_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_tt6%26_nc_cat%3D107%26ig_cache_key%3DMzkwNTQ0MjU1MzgyMDM2NjY5Nw%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkZFRUQueHBpZHMuMTA3MS5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3DUsOBnZRO8cUQ7kNvwGUI7IF%26_nc_oc%3DAdp0Z_nqJzxXYPHWl87S3Udqm2dLASytLRWIMuMNT63DutnnwCtqx6IGnJeAcjwiNlIrZHEHslc1PR0HsWX9rWtz%26_nc_zt%3D23%26se%3D7%26_nc_ht%3Dscontent-iad6-1.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DB7gv3cZqzdxd0XHTaeoHNA%26_nc_ss%3D7839b%26oh%3D00_AQAJ915HJc0YQF7IQIUr7FOdQpu3_zxqxeIO1eZeNteiaQ%26oe%3D6A676E56&amp;filename=706143448_18137089276542062_5516909348591916691_n.jpg" alt="preview"></figure>

Leonard Kamhout - Kẻ rời đi vĩ đại

Tại Lone Ones, Leonard Kamhout rũ bỏ hoàn toàn tư duy Biker thô ráp cũ kỹ của Chrome Hearts để tiến tới sự tinh xảo thuần khiết. Ông ra mắt BST Mating Flight, lấy cảm hứng từ phom dáng hữu cơ của tự nhiên, vẻ đẹp của các loài chim và cấu trúc hình học mềm mại. Thay vì sử dụng những hình ảnh hầm hố như đầu lâu hay dao găm, Lone Ones khai thác đường cong thanh lịch nhưng sở hữu mật độ kim loại cực kỳ đậm đặc &nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/23-07-26/1784782141573_160421.jpg"></figure>Đỉnh cao chế tác của Leonard Kamhout khi ông cho ra mắt dòng chuông Crane Bell &amp; Tear Bell. Ông biến khối kim loại lạnh lẽo thành một cỗ máy phát âm thanh có hồn. Mỗi chiếc chuông bạc khi di chuyển sẽ phát ra âm thanh trầm ấm, trong trẻo như tiếng chuông gió. Trên phần khóa của những thiết kế kinh điển như vòng tay Silk Link hay các mẫu chuông cổ điển thời kỳ đầu, Leonard khắc đồng thời cả hai dòng chữ LEONARD KAMHOUT và LONE ONES.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://media.gramsnap.com/get?__sig=T4yl1WUvmWDn2RmN8p34Aw&amp;__expires=1784783538&amp;uri=https%3A%2F%2Fscontent-iad3-1.cdninstagram.com%2Fv%2Ft51.82787-15%2F622888819_18556536382039741_1708475183759688624_n.jpg%3Fstp%3Ddst-jpg_e35_p1170x1170_sh2.08_tt6%26_nc_cat%3D110%26ig_cache_key%3DMzgyMDQ4NDcxNDEzMDgxMjAwMQ%253D%253D.3-ccb7-5%26ccb%3D7-5%26_nc_sid%3D58cdad%26efg%3DeyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkZFRUQueHBpZHMuMTM1MC5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9%26_nc_ohc%3D1ZU9Q7Z7YsMQ7kNvwHp6Hdf%26_nc_oc%3DAdqbDz45U5uOawJnyIgcoIQR34JE7c46hQfYIb8K51nzjfxsFiYGAIBfUBfD3wMSMB02IZppFR4c1ZNyzToszzMq%26_nc_zt%3D23%26_nc_ht%3Dscontent-iad3-1.cdninstagram.com%26_nc_gid%3DV7btcvKgHhcT--Ah_-ne6Q%26_nc_ss%3D7839b%26oh%3D00_AQA18UbTrS5nC_ikSlRXV5KWKDwtLQVZYzZtIqKWFJ3kCw%26oe%3D6A677E5C&amp;filename=622888819_18556536382039741_1708475183759688624_n.jpg" alt="preview"><figcaption>Nguồn: Lone Ones</figcaption></figure>

Lone Ones 

Nhắc đến trang sức bạc cao cấp, Chrome Hearts luôn nằm ở đỉnh tòa tháp truyền thông. Sự sùng bái logo, mức giá ngáo ngơ hàng nghìn đô cùng sự lăng xê nhiệt tình của dàn celeb hạng A đã biến thương hiệu này thành giấc mơ của giới trẻ. Thế nhưng ít ai biết Chrome Hearts không sở hữu lịch sử của ngành kim hoàn, và họ từng phải nhận những cú thua đau đớn trước những kẻ thực sự nắm giữ chất xám chế tác.

THƯƠNG HIỆU KHIẾN CHROME HEARTS PHẢI ÔM HẬN 

Việc Jungkook trở thành Global Brand Ambassador đầu tiên của Graff không đơn thuần là một bản hợp đồng mới. Đó còn là dấu mốc cho thấy sức ảnh hưởng của nam nghệ sĩ đã vươn tới một trong những "pháo đài" kín tiếng và danh giá nhất của ngành kim hoàn thế giới.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad2-1.fna.fbcdn.net/v/t39.99422-6/736455085_3423361134507693_7336078617892881269_n.png?stp=dst-jpg_tt6&amp;cstp=mx1080x1350&amp;ctp=s1080x1350&amp;_nc_cat=105&amp;_nc_map=urlgen_bucketless&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=833d8c&amp;_nc_ohc=M6z7pX-n7b4Q7kNvwFYpHmg&amp;_nc_oc=Adp3RTqznBOJriDaqqqgkFShV2CWbHRTCS8zmJA2CkAizSfl89mcl96x4-7CgSZW0h4&amp;_nc_zt=14&amp;_nc_ht=scontent.fdad2-1.fna&amp;_nc_gid=4_r42bUACDhf8YbTxA6blA&amp;_nc_ss=7b2a8&amp;oh=00_AQDd-8R0_DCMIdkWPTeOLnQrxKFSihSmHm5I3m-8bTlDEw&amp;oe=6A4D50A0" alt="Không có mô tả ảnh."><figcaption>Nguồn: Graff</figcaption></figure>Khác với nhiều thương hiệu xa xỉ thường xuyên thay đổi gương mặt đại diện, Graff từ trước đến nay luôn rất thận trọng trong việc lựa chọn những cá nhân đồng hành. Thương hiệu gần như không chạy theo xu hướng, cũng hiếm khi bổ nhiệm đại sứ toàn cầu theo cách các nhà mốt đang làm. Chính vì vậy, việc Jungkook trở thành Global Brand Ambassador đầu tiên trong lịch sử Graff nhanh chóng thu hút sự chú ý của cả giới thời trang lẫn người hâm mộ.<figure class="image"><img src="https://images.t2online.in/cdn-cgi/image/width=1200,quality=70/https://cms.t2online.in/api/images/1761748343279.jpg" alt="Jungkook: Return to Calvin Klein Post-Military | t2ONLINE"><figcaption>Nguồn: Calvin Klein</figcaption></figure>Đây cũng là một bước đi phản ánh sự thay đổi của ngành hàng xa xỉ. Khi thế hệ khách hàng trẻ ngày càng chiếm vai trò quan trọng, các thương hiệu không còn chỉ tìm kiếm những gương mặt gắn với Hollywood hay giới thượng lưu truyền thống. Họ cần những biểu tượng văn hóa có sức ảnh hưởng toàn cầu, khả năng kết nối với nhiều thế hệ và tạo ra giá trị truyền thông vượt khỏi phạm vi thời trang.Jungkook chính là một trong số rất ít nghệ sĩ đáp ứng được điều đó.

Hoàn thành "bộ sưu tập đại sứ" toàn những cái tên khổng lồ

Nếu nhìn lại danh sách những thương hiệu đã lựa chọn Jungkook trong vài năm gần đây, có thể thấy đây gần như là một "đội hình trong mơ".<figure class="image"><img src="https://www.datocms-assets.com/56778/1682051896-1681977973-sp23_organic_no_logo_1920x1080_ckj_jk_her0_archive_tee_black_2_srgb.jpg?auto=format%2Ccompress&amp;cs=srgb" alt="Lý do đằng sau cú bắt tay &quot;hàng hiệu&quot; của Jung Kook (BTS) và Calvin Klein"><figcaption>Nguồn: Calvin Klein</figcaption></figure>Ở mảng thời trang, anh là gương mặt toàn cầu của Calvin Klein, tạo nên một trong những chiến dịch thành công nhất của thương hiệu với hàng triệu lượt tương tác và hiệu ứng cháy hàng trên phạm vi quốc tế. Trong lĩnh vực làm đẹp, Jungkook đồng hành cùng Amo Pacific thông qua các thương hiệu trực thuộc. Ở mảng công nghệ, anh tiếp tục là gương mặt quen thuộc của Samsung, trong khi lĩnh vực thực phẩm và đồ uống từng chứng kiến nhiều sản phẩm "sold out" chỉ sau vài giờ vì hiệu ứng mang tên Jungkook.<figure class="image"><img src="https://pbs.twimg.com/media/E8mnNyrVIAEZMEQ.jpg" alt="Take a moment to appreciate the perfect shot of #JungKook and #GalaxyZFlip3. #GalaxyxBTS @BTS_twt Learn more: https://t.co/rFk70ez5Q7"><figcaption>Nguồn: Samsung</figcaption></figure>Giờ đây, Graff chính là mảnh ghép hoàn thiện bức tranh ấy.Điều thú vị là các thương hiệu Jungkook hợp tác đều thuộc nhóm dẫn đầu trong lĩnh vực của mình. Calvin Klein là biểu tượng của thời trang Mỹ, Samsung là ông lớn công nghệ toàn cầu, còn Graff lại là một trong những nhà kim hoàn danh giá nhất thế giới với khách hàng là giới hoàng gia, tỷ phú và những nhà sưu tập trang sức cao cấp.<figure class="image"><img src="https://stylerepublik.vn/media/full/2026/07/jungkook_graff_5-jpg.jpg" alt="Graff công bố Jungkook là đại sứ toàn cầu đầu tiên của thương hiệu"><figcaption>Nguồn: Graff</figcaption></figure>Không nhiều nghệ sĩ có thể cùng lúc xuất hiện trong danh sách đại diện của nhiều thương hiệu ở những lĩnh vực hoàn toàn khác nhau mà vẫn giữ được sự phù hợp với hình ảnh cá nhân. Jungkook làm được điều đó nhờ khả năng cân bằng giữa sức hút đại chúng và giá trị cao cấp. Anh có thể xuất hiện trong một chiến dịch denim tối giản của Calvin Klein, rồi ngay sau đó khoác lên mình những món trang sức trị giá hàng triệu USD của Graff mà không tạo cảm giác gượng ép.Đó cũng là lý do các thương hiệu xa xỉ ngày càng xem Jungkook như một khoản đầu tư dài hạn thay vì một gương mặt tạo hiệu ứng ngắn hạn.<figure class="image"><img src="https://www.hublot.com/sites/default/files/styles/global_laptop_1x/public/2026-02/Jung-Kook-KV-2-Square.jpg?itok=W7j2T9wy" alt="Jung Kook | Hublot"><figcaption>Nguồn: Hublot</figcaption></figure>Trong bối cảnh cuộc cạnh tranh giành lấy những đại sứ có sức ảnh hưởng toàn cầu ngày càng khốc liệt, việc Graff trao danh hiệu Global Brand Ambassador đầu tiên cho Jungkook không chỉ là chiến thắng của riêng nam nghệ sĩ. Đó còn là lời khẳng định rằng các ngôi sao K-pop giờ đây không còn là "lựa chọn thay thế" trong ngành xa xỉ, mà đã trở thành những nhân vật trung tâm định hình cách các thương hiệu kết nối với khách hàng trên toàn thế giới.Và với Graff, Jungkook không chỉ bổ sung thêm một cái tên vào danh sách hợp tác.Anh vừa hoàn thiện một trong những "bộ sưu tập đại sứ" đáng gờm nhất của làng giải trí châu Á hiện nay.

Jungkook đang sở hữu một "dream team" thương hiệu

Sau Calvin Klein, Samsung và hàng loạt tên tuổi lớn, Jungkook tiếp tục chinh phục Graff – một trong những nhà kim hoàn danh giá nhất thế giới, khẳng định vị thế của một trong những gương mặt được các thương hiệu xa xỉ săn đón nhất hiện nay.

JUNGKOOK CHÍNH THỨC TRỞ THÀNH ĐẠI SỨ TOÀN CẦU ĐẦU TIÊN CỦA GRAFF

Tôn trọng, cổ điển và đàn ông hơn bao giờ hết, thương hiệu mở đầu show với các sản phẩm tailoring cao cấp gồm những bộ suit may đo bằng vải&nbsp;silk-linen (lụa pha lanh) và&nbsp;vải tweed được phối cùng sandal ngư dân, kèm theo đó là áo khoác satin nhuộm&nbsp;indigo (màu chàm) giặt mài được mặc ngoài sơ mi tuxedo. Thay vì đi cùng giày tây cứng nhắc, các quý ông của Ralph Lauren sải bước với sandal ngư dân (fisherman sandals), mặc áo khoác satin nhuộm indigo (màu chàm) giặt mài bên ngoài sơ mi tuxedo trắng muốt.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782276990720_903842.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Đỉnh điểm nằm ở cách nhà mốt đưa những chiếc quần lấy cảm hứng từ váy quần&nbsp;Hakama truyền thống của Nhật Bản vào phom dáng trang trọng mùa này. Đây không đơn thuần là một dòng sản phẩm được sinh ra với nhu cầu mở rộng thị trường hay làm thương mại. Purple Label là hiện thực hóa tầm nhìn của Ralph Lauren khi ông luôn muốn đảm bảo rằng người đàn ông của mình phải sáng tạo, tìm thấy sự thực dụng và chút mộc mạc trong trang phục.&nbsp;

Cái bang luxury

Hero piece mùa này chắc chắn thuộc về chiếc áo khoác tiệc tối hai hàng khuy màu xanh với phần ve nhọn màu đen, ẩn chứa câu chuyện thủ công tinh xảo bậc nhất<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277011978_632157.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Kỹ nghệ Sashiko Hand-stitching: Những đường chỉ khâu tay Sashiko cùng tông màu được lấy cảm hứng từ các họa tiết Art Deco trong kho lưu trữ cà vạt năm 1967 của chính Ralph Lauren. Toàn bộ phần việc này được thực hiện tại Nhật Bản bởi nhóm&nbsp;Sashiko Gals (những người phụ nữ Nhật Bản đã nghỉ hưu đầy đam mê với thủ công). Mọi chi tiết đều được xử lý bằng tay hoàn toàn: vải dệt tại Nhật Bản và được may dựng phom dáng tại Ý. Có thể thấy, thứ trông thô mộc, chắp vá nhất lại là thứ tốn thời gian và tiền bạc nhất để tạo ra.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277020679_962015.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Huy hiệu Como Speed Club: Sự xuất hiện của chiếc bộ đồ liền thân (boiler suit) bằng vải lanh trắng giặt mềm, thêu huy hiệu của&nbsp;"Ralph Lauren Como Speed Club" một câu lạc bộ giả tưởng dựa trên những tay đua thuyền Riva liều mạng với gu ăn mặc cực bảnh từ thập niên 1920.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277026981_882525.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>

Khi chắp vá được đẩy lên một tầm cao mới

Với dòng Polo Ralph Lauren lại là một sân chơi đầy thú vị của các chất liệu hoài cổ. Tất cả những bộ môn thể thao dành cho giới quý tộc sành điệu đều được bốc thẳng lên sàn diễn: từ áo blazer chèo thuyền, áo rugby sọc ngang cho đến áo sơ mi câu cá, áo khoác parka dã chiến và mũ ca-lô.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277035478_641442.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Họa tiết rằn ri và kẻ ô Madras: Họa tiết rằn ri da ếch (frog-camo) bụi bặm được đặt cạnh họa tiết kẻ ô Madras đặc trưng của preppy, biến tấu tuyệt vời trên các thiết kế túi xách, áo khoác leo núi và áo khoác câu cá.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277048146_574481.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Phom dáng Hayworth: Thương hiệu tiếp tục lăng-xê chiếc quần ống rộng Hayworth nhằm tăng sự thoải mái. Đúng như nhận định của John Wrazej (Giám đốc sáng tạo PRL):&nbsp;"Mọi người đang thực sự hào hứng với những chiếc quần có phom dáng rộng rãi, phóng khoáng hơn ở nửa thân dưới."<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277059171_276380.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>Tái chế chất liệu: Các chất liệu sơ mi kẻ sọc và kẻ ô kinh điển được rã rập, tái chế thành những chiếc áo rugby chắp vá (patchwork) hoặc biến tấu thành dáng sơ mi retro đi kèm khăn cổ, với cách phối layer không tưởng: Không dưới ba chiếc áo sơ mi kẻ caro được mặc chồng lên nhau. Phom dáng này mang đậm hơi thở của văn hóa Hip-hop hiện đại, hoàn toàn xứng đáng xuất hiện trong các video âm nhạc của những nghệ sĩ rap hàng đầu như Travis Scott.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/24-06-26/1782277068681_644305.jpg"><figcaption>Nguồn: VOUGE</figcaption></figure>

Bình cũ rượu mới

Tại Milan Fashion Week 6/2026 , nếu ví dòng Purple Label là hình ảnh của những "đàn anh năm cuối" đầy trưởng thành, sang trọng và kiêu hãnh, thì Polo Ralph Lauren chính là những "tân sinh viên" đại diện cho tinh thần trẻ trung, phóng khoáng và nổi loạn. Sự kết hợp của hai dòng sản phẩm này trên cùng một sàn diễn đã tạo nên một bộ sưu tập Xuân Hè 2027 đủ wow về mặt thị giác

RALPH LAUREN MANG “CÁI BANG” LÊN RUNWAY

Thông điệp của campaign này không mới, nhưng cách triển khai lại khá “đúng nhịp”. Thay vì dùng hình ảnh quá lý tưởng hóa, THYPH giữ mọi thứ ở mức tự nhiên: một người phụ nữ U60, cơ thể thật, thần thái thật, không cố gồng để trẻ hơn cũng không cần làm quá để nổi bật.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/668869273_1654698569102367_2007674510810419441_n.jpg?_nc_cat=104&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=zr9E80Cg-8MQ7kNvwECf52u&amp;_nc_oc=Adp8xxVSLsGFgnyWYeWvYJH1WDCZ9TuzV9HtfMI-D0GlyVXb4AnCD9a49ud3R8_V0rE&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-3.fna&amp;_nc_gid=n8bxV-vSAGLMXBYeqBkhpg&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af37D3J9zAJZq5o60Jnh9BawgHTCIYwUDmIiNGP6lJzoAg&amp;oe=69E68161" alt="Có thể là hình ảnh về bộ vét"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Điểm đáng chú ý là cách họ định nghĩa “tự do”. Không phải là phá vỡ mọi giới hạn, mà là không còn bị ràng buộc bởi nhu cầu phải chứng minh. Ở góc nhìn này, tự do không ồn ào, mà khá yên tĩnh – và chính sự yên tĩnh đó lại tạo nên chiều sâu cho hình ảnh.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-2.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/669523926_1654694625769428_6758849216026713154_n.jpg?_nc_cat=102&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=i0liEkFUp9MQ7kNvwFbKXat&amp;_nc_oc=AdpUFD6yVsuE-O7VJ0kH-DFOSk-bF5GoOk-7dibjlvlz-OEI5Dz1pzt3xhnsFZInlRE&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-2.fna&amp;_nc_gid=oTItoPwCQQP9lf5Tvnxy2A&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af1o3rf0OfcYZ5EysfBDe8ckQnMKw0YoBajejBVOrvntZg&amp;oe=69E65FD2" alt="Không có mô tả ảnh."><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>

"Phụ nữ không cần cố để trẻ"

Về thiết kế, bộ sưu tập đi theo hướng tối giản đến mức khó gây ấn tượng ngay lập tức: form rộng vừa phải, chất liệu mềm, bảng màu trung tính. Nhưng chính sự “không cố gắng” này lại phù hợp với đối tượng mà họ đang hướng đến.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-2.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/669598305_1654692719102952_4738788903992555116_n.jpg?_nc_cat=102&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=WFpjZIIJ5sgQ7kNvwFEZfBg&amp;_nc_oc=AdqkYAiFq6YEDmjApMp_7qiZIMJZkrTa51q6pIytlOti4-PlXLtA2zF1O42a-YgSdWk&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-2.fna&amp;_nc_gid=hWDu5GEgi4VnfmqtKIm5EA&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af1Td4Nom9FSzZzQVOYLE5JVYaM1oHekf56A9p58yNVCTg&amp;oe=69E657BA" alt="Có thể là hình ảnh về một hoặc nhiều người"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Điều đáng bàn là: những thiết kế này vốn không hề mới, thậm chí khá phổ biến với người trẻ. Nhưng khi đặt lên một người phụ nữ U60, nó tạo ra một cảm giác khác – không phải vì trang phục thay đổi, mà vì người mặc mang đến một ngữ cảnh khác. Sự chậm rãi, chắc chắn và tự tin khiến những item đơn giản trở nên có sức nặng hơn.Ở đây, THYPH không làm thời trang để “nịnh” tuổi tác, mà gần như đang nói rằng: nếu một thiết kế đủ tốt, nó không cần phân biệt người mặc bao nhiêu tuổi.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/669601695_1654694792436078_7199807701563022362_n.jpg?_nc_cat=110&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=lcGnYTkVJ70Q7kNvwGNA5g3&amp;_nc_oc=AdrMvSSRodw1BD8npj-GL5vox75I9koFvHxKetGwGm9LEGKXNuD3KdDiUsF9eAUEU6g&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-3.fna&amp;_nc_gid=h43APamdrH8wdtj9RUUOyQ&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af05tc4AfNHl78DI0F7iNMoJB_g5a53qRDaMtJrnyjPzjg&amp;oe=69E666AA" alt="Có thể là hình ảnh về bộ vét"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Cuối cùng, câu hỏi “U60 có cần mặc đẹp không?” có lẽ chưa bao giờ hợp lý. Vì mặc đẹp không phải là đặc quyền của tuổi trẻ. Và nếu có khác biệt, thì chỉ là: người trẻ mặc đẹp để được nhìn thấy, còn người lớn tuổi mặc đẹp vì họ không còn cần điều đó nữa.

Khi thời trang không cần cố gắng

Thời trang từ lâu vẫn tồn tại một định kiến khá “ngầm”: càng lớn tuổi thì càng nên ăn mặc tiết chế, an toàn, thậm chí là… mờ nhạt. Nhưng thực tế đang đi theo hướng ngược lại. Khi phụ nữ bước qua U60, họ không mất đi nhu cầu mặc đẹp – họ chỉ thay đổi cách tiếp cận nó.

Mới đây, một thương hiệu quen mặt trong mảng loungewear là THYPH đã ra mắt BST loungewear mới, với tinh thần không cố chứng minh rằng người lớn tuổi có thể “mặc như người trẻ”. Thay vào đó, họ đặt ra một góc nhìn khác: khi đã đi qua đủ trải nghiệm, phụ nữ không còn cần dùng thời trang để gây ấn tượng hay khẳng định bản thân nữa. Họ mặc đẹp vì họ muốn, và vì họ hiểu rõ điều gì phù hợp với mình.

Ai bảo U60 là hết được mặc đẹp?

Cú bắt tay với Gucci năm 2022 là một trong những collab gây bão nhất. Dưới thời Alessandro Michele, Gucci vốn đã maximalist sẵn, nên khi mix với DNA thể thao của adidas, mọi thứ trở nên… over nhưng đúng gu Gen Z.<figure class="image"><img src="https://media.vogue.fr/photos/627a655413da5eaadea12628/3:2/w_2249,h_1499,c_limit/PR%20Crop_150dpi_M_Look_18_19.jpg" alt="adidas x Gucci : la collab la plus attendue de 2022 est disponible ! | Vogue France"><figcaption>Nguồn: adidas</figcaption></figure>Trefoil logo xuất hiện cạnh monogram GG, 3 stripes chạy trên suit tailoring, Gazelle biến thành item luxury với mức giá không còn “thể thao” chút nào.Điểm đáng nói: đây không phải merch. Đây là một full collection runway, xuất hiện tại Milan Fashion Week. Nghĩa là adidas không còn đứng ngoài, mà bước thẳng vào hệ sinh thái high fashion.<figure class="image"><img src="https://r.fashionunited.com/SPkmtnXUhXmZQkLnMkFpYaWnYhOBeALu0NPoeITyBoE/resize:fill:1164:0:0/gravity:ce/quality:70/aHR0cHM6Ly9mYXNoaW9udW5pdGVkLmNvbS9pbWcvdXBsb2FkLzIwMjIvMDIvMjgvZ3VjY2ktYWRpZGFzLWV4cXVpc2l0ZS01LWRuZ2tsdG9jLTIwMjItMDItMjguanBlZw" alt="Es oficial: Adidas X Gucci"><figcaption>Nguồn: Fashion United</figcaption></figure>

adidas x Gucci: khi heritage gặp hype

Nếu Gucci là maximalist playful, thì cú collab với Balenciaga lại mang vibe dystopian, đúng chất Demna.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/6362c4e088d1f186f2877d87/master/w_1600%2Cc_limit/BALENCIAGA%2520_%2520ADIDAS%2520LAUNCH_BCW_IMAGE%2520LOGO%25201.jpg" alt="Image may contain Sitting Person Furniture Chair Footwear Clothing Shoe Adult Indoors Working Out and Sport"><figcaption>Nguồn: Balenciaga</figcaption></figure>Ra mắt trong bộ sưu tập “The Hacker Project” (2022), adidas bị “Balenciaga-ize” hoàn toàn: form oversized cực đoan, distressed, logo bị bóp méo, tracksuit trở thành statement piece giá nghìn đô.Đây là lần hiếm hoi một brand thể thao không giữ được “bản sắc sạch sẽ” của mình, mà chấp nhận bị luxury house tái cấu trúc hoàn toàn.<figure class="image"><img src="https://file.hstatic.net/200000456445/file/screen_shot_2022-06-29_at_17.01.37_1379a5f63b3d4efab130c78baf8fa37f_2048x2048.png" alt="Balenciaga x Adidas: sự kết hợp làm bùng nổ thế giới thời trang – LUXITY"><figcaption>Nguồn: Sưu tầm</figcaption></figure>Kết quả? Một aesthetic gây tranh cãi nhưng sold out.

adidas x Balenciaga: streetwear ở level “hardcore”

Khác với hai màn collab trên, Prada mang đến một cách tiếp cận rất “Prada”: tối giản, clean, và tập trung vào chất liệu.Các item như Superstar hay túi bowling bag được làm bằng da cao cấp sản xuất tại Ý, với mức giá chạm ngưỡng luxury thực thụ.<figure class="image"><img src="https://bazaarvietnam.vn/wp-content/uploads/2019/11/giay-the-thao-prada-adidas-2019-03.jpg" alt="Prada và Adidas ra mắt giày thể thao: Chỉ có 700 đôi toàn cầu | Harper's Bazaar"><figcaption>Nguồn: Prada</figcaption></figure>Điểm thú vị là Prada không “fashion hóa” adidas theo kiểu runway drama, mà nâng cấp nó về craftsmanship. Kiểu collab này không ồn ào, nhưng lại đánh thẳng vào mindset của những người chơi đồ hiệu lâu năm.<figure class="image"><img src="https://media.vogue.co.uk/photos/6049e46e107e7ce55db445e7/master/pass/BGUK_2087189_017_ad0cw145.jpg" alt="Bella Hadid's Prada Bag Is The Perfect Sidekick | British Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>

adidas x Prada: tối giản nhưng đắt đỏ

Với Moncler, adidas bước vào territory của outerwear cao cấp. Bộ sưu tập “Moncler x adidas Originals” mang tinh thần exploration, kết hợp techwear, performance gear và thiết kế avant-garde.<img src="https://image-cdn.hypb.st/https%3A%2F%2Fhypebeast.com%2Fimage%2F2023%2F02%2Ftw-exclusive-bts-adidas-moncler-collaboration-info.jpg?w=1080&amp;cbr=1&amp;q=90&amp;fit=max" alt="Exclusive BTS Look adidas x Moncler | Hypebeast" class="image-inline">Puffer jacket, hiking sneakers, layering system… tất cả đều mang vibe “leo núi nhưng phải fashion”.Đây là dạng collab mở rộng định nghĩa của luxury: không còn là suit hay dress, mà là trải nghiệm và công năng, nhưng với mức giá vẫn rất luxury.<figure class="image"><img src="https://editorialist.com/web/2023/10/027/310/163/27310163~green_2.jpg" alt="Moncler X Adidas Originals Alpbach Short Down Jacket - Green | Editorialist"><figcaption>Nguồn: Moncler</figcaption></figure> Sau tất cả, từ những màn bắt tay với Prada, Gucci, Balenciaga đến Moncler, adidas không chỉ chứng minh khả năng “biến hóa” giữa các thế giới thời trang khác nhau, mà còn cho thấy một tư duy rất rõ: họ không cần trở thành luxury, nhưng vẫn có thể đứng ngang hàng và định hình lại cách luxury vận hành trong thời đại mới.

adidas x Moncler: performance meets futurism

adidas chưa bao giờ chỉ là một brand thể thao. Trong hơn một thập kỷ qua, họ liên tục “đi đường vòng” vào lãnh địa luxury bằng những cú bắt tay khiến dân chơi hàng hiệu vừa thích thú vừa… đau ví. Không phải kiểu collab cho vui, mà là những pha va chạm trực diện giữa streetwear, sportswear và high fashion.

Dưới đây là những lần adidas thật sự bước vào cuộc chơi luxury, theo cách rất “đắt”.

Những lần adidas lấn sân luxury khiến giới sưu tầm "đau ví"

Lấy cảm hứng từ nhịp đập của năng lượng sáng tạo trong lòng đô thị,&nbsp;PULSE được xây dựng như một concept mang tính trừu tượng, nơi các ngôn ngữ thiết kế khác nhau cùng tồn tại và cộng hưởng trong một dòng chảy chung.Concept năm nay được chia thành hai phần chính:&nbsp;RHYTHM và&nbsp;SURGE.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/13-04-26/1776067602791_349381.jpg"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>RHYTHM đại diện cho tinh thần cấu trúc, tối giản và sự cân bằng trong thiết kế, trong khi SURGE mở ra không gian cho những biểu đạt mạnh mẽ hơn về cá tính, cảm xúc và tinh thần thử nghiệm.Thông qua cách phân chia này, runway không chỉ phản ánh sự đa dạng thẩm mỹ mà còn thể hiện rõ hai hướng chuyển động nổi bật của thời trang đương đại: một bên là sự tinh giản có kiểm soát, một bên là sự bùng nổ của cá tính và năng lượng thị giác.

PULSE – nhịp đập của năng lượng sáng tạo

Dàn line-up năm nay quy tụ&nbsp;11 thương hiệu thiết kế Việt, được dẫn dắt xuyên suốt qua hai chương trình diễn mang tính đối lập nhưng bổ trợ lẫn nhau là&nbsp;“Rhythm” và&nbsp;“Surge”, tạo nên một cấu trúc nhịp điệu rõ ràng cho toàn bộ runway.&nbsp;Chương I – “Rhythm” mở ra tiết tấu của sự sống với tinh thần thanh lịch và vượt thời gian, nơi các thương hiệu như WHITE ANT, MARBLE ROSE, VICTIM OF THE PRIME, LA SOL và FORTYTHREE khai thác mạnh yếu tố cấu trúc, phom dáng và sự cân bằng trong thiết kế. Tại đây, thời trang được tiếp cận như một ngôn ngữ tinh giản, đề cao tính ứng dụng và chiều sâu thẩm mỹ, phản ánh một nhịp chảy ổn định, có kiểm soát của sáng tạo đương đại.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-2.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/670480592_1365192735641096_3686630852985913074_n.jpg?_nc_cat=102&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=6zC4gg0MZ9YQ7kNvwEAdsLQ&amp;_nc_oc=AdrFpIZ7jqglGmXKdU6aZ5ZH-lpSVl-Qnh-Ah6VOtXF82hoUbvLgsx_48fOZfDjOUmg&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-2.fna&amp;_nc_gid=bmC8t35XwpNlynXhmSZwXg&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af2sJT_r2wyYi0gQfuLiccH6uJ4qyMuAIIsj67d1bU6Hqg&amp;oe=69E26C58" alt="Không có mô tả ảnh."><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Đối lập nhưng không tách rời,&nbsp;Chương II – “Surge” đẩy cao năng lượng với sự góp mặt của BEUTER, BUNNY HILL CONCEPT, LIDER, RAKKIU, STRESSMAMA và màn kết hợp T-REDX × ELENA NGN, đại diện cho tinh thần streetwear và experimental.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/513290515_1142289851277767_6041136389957341312_n.jpg?_nc_cat=110&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=dd6889&amp;_nc_ohc=DYOcopp2CakQ7kNvwHHOp7_&amp;_nc_oc=Adpd5NM_Eqa7USe9HO5MQDSxLHq-WS4to_aiqevzsNjq03UkbenNEJKvKP_j0eotP7Q&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-3.fna&amp;_nc_gid=htdEh2JWS7WgzP6vDp4jLQ&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af2-DGNgtUPFgillIX8FLpTLSbi4k7vT8IHax1tvlbPbkg&amp;oe=69E274B9" alt="Không có mô tả ảnh."><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Các thiết kế trong chương này mang đậm dấu ấn cá tính, chuyển động và sức bật của thế hệ trẻ, nơi thời trang trở thành công cụ biểu đạt mạnh mẽ, sẵn sàng phá vỡ giới hạn và tái định nghĩa chuẩn mực. Sự chuyển dịch từ Rhythm sang Surge không chỉ tạo nên cao trào cho runway mà còn phản ánh hai cực chuyển động song song của thời trang Việt hiện tại: một bên là sự tinh luyện, một bên là sự bùng nổ, cùng cộng hưởng để tạo nên một hệ nhịp đa chiều cho toàn bộ chương trình.

Line-up quy tụ các thương hiệu thiết kế Việt đình đám

Song hành cùng việc hé lộ chủ đề và line-up, runway năm nay được hoàn thiện bởi hệ sinh thái đối tác đa lĩnh vực, góp phần nâng tầm trải nghiệm sự kiện theo hướng toàn diện hơn. Các đối tác bao gồm OMO (sponsor), Marriott Bonvoy (hospitality &amp; experience partner), Hennessy (beverage sponsor partner) và Xanh SM (transportation partner).<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/13-04-26/1776067158554_449887.jpg"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Đáng chú ý, sự góp mặt của Tuyết Lan trong vai trò catwalk director mang đến lớp hoàn thiện về chuyên môn trình diễn, đảm bảo nhịp điệu, thần thái và cấu trúc tổng thể của runway được kiểm soát chặt chẽ. Sự kết hợp giữa các đối tác và đội ngũ sáng tạo không chỉ nâng cao chất lượng tổ chức mà còn định hình runway như một trải nghiệm tổng thể, nơi thời trang gắn kết chặt chẽ với không gian, dịch vụ và cảm xúc người tham dự. Qua đó, sự hiện diện của các thương hiệu từ nhiều lĩnh vực cũng phản ánh rõ định hướng mở rộng của runway năm nay, khi thời trang ngày càng vận hành như một phần của hệ sinh thái lifestyle thay vì tồn tại độc lập.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/13-04-26/1776067166865_497626.jpg"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Rue Miche Annual Runway 2026 – PULSE cho thấy sự đầu tư bài bản cả về nội dung lẫn quy mô, đồng thời tiếp tục được định hình như một điểm giao thoa giữa sáng tạo và thị trường. Không chỉ dừng lại ở một sự kiện trình diễn, runway năm nay mở ra không gian nơi các thương hiệu Việt kết nối trực tiếp với cộng đồng và hệ sinh thái ngành, từ đó mở rộng khả năng tiếp cận và tạo ra những cơ hội phát triển mới trong bối cảnh thời trang đương đại. Sponsor: OMO Beverage Sponsor Partner: Hennessy Food Sponsor Partner: YESHI Hospitality &amp; Experience Partner: Marriott Bonvoy Transportation Partner: GREEN SM

Hệ sinh thái đối tác đồng hành

Trước thềm diễn ra Rue Miche Annual Runway 2026 – PULSE, Rue Miche dần hé lộ những điểm nhấn quan trọng, từ concept chủ đạo, cấu trúc line-up đến hệ thống đối tác đồng hành. Qua đó, sự kiện năm nay cho thấy định hướng phát triển rõ nét theo mô hình kết nối giữa sáng tạo và thương mại, đồng thời mở rộng quy mô tổ chức và gia tăng ảnh hưởng trong bối cảnh hệ sinh thái thời trang Việt đang không ngừng chuyển động.

DÀN LINE-UP "CHẤN ĐỘNG TAM GIỚI" CỦA RUE MICHE ANNUAL RUNWAY 2026

Triển lãm tại V&amp;A không chỉ đơn thuần trưng bày trang phục, mà còn cho thấy cách Schiaparelli đã phá vỡ ranh giới giữa thời trang và nghệ thuật. Từ những chiếc áo len trompe-l’oeil đánh lừa thị giác đến các thiết kế siêu thực nổi tiếng, Schiaparelli từng hợp tác với các nghệ sĩ avant-garde như Salvador Dalí và Jean Cocteau để biến quần áo thành những tác phẩm mang tính khái niệm.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69c556ea0ba154772756e8da/master/w_1600%2Cc_limit/Schiaparelli:%2520Fashion%2520Becomes%2520Art%2520at%2520V&amp;A%2520South%2520Kensington%2520(c)%2520Victoria%2520and%2520Albert%2520Museum%2C%2520London%2520(10).jpg" alt="Inside the Shocking and Extraordinary World of Schiaparelli at the V&amp;A | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Một số biểu tượng thời trang được trưng bày bao gồm:<ul style="font-family: Lexend"><li style="font-family: Lexend">“Lobster Dress” – chiếc váy in hình tôm hùm do Dalí thiết kế, từng được xã hội thượng lưu thế kỷ 20 săn đón.</li><li style="font-family: Lexend">“Skeleton Dress” – thiết kế mô phỏng bộ xương người gây chấn động giới thời trang thập niên 1930.</li><li style="font-family: Lexend">“Shoe Hat” – chiếc mũ hình chiếc giày lộn ngược, trở thành biểu tượng của tinh thần siêu thực.&nbsp;</li></ul><figure class="image"><img src="https://media.admiddleeast.com/photos/69c82d877e46e26b02c1c4db/16:9/w_2560%2Cc_limit/Schiaparelli_%2520Fashion%2520Becomes%2520Art%2520at%2520V&amp;A%2520South%2520Kensington.%2520Photo%2520-%2520David%2520Parry%2520PA%2520Media%2520Assignments%2520(2).jpg" alt="Schiaparelli at the V&amp;A: An Exhibition on Fashion's Surrealist Celebrates the Designer's Genius | AD Middle East"><figcaption>Nguồn: Sưu tầm</figcaption></figure>Những thiết kế này không chỉ phản ánh sự táo bạo của Elsa Schiaparelli mà còn cho thấy cách bà biến thời trang thành một ngôn ngữ nghệ thuật đầy tính châm biếm và tưởng tượng.

Khi haute couture bước vào bảo tàng

Triển lãm không dừng lại ở di sản quá khứ. Một phần lớn không gian được dành cho các thiết kế đương đại của Schiaparelli dưới thời Daniel Roseberry – người đã hồi sinh nhà mốt bằng những bộ couture mang tính điêu khắc, thường xuyên xuất hiện trên thảm đỏ của Hollywood.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/697c7d2b281104816219213d/master/w_2560%2Cc_limit/00001-schiaparelli-spring-2026-couture-credit-brand.jpg" alt="Schiaparelli Spring 2026 Couture Collection | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Những bộ váy vàng kim khối điêu khắc, corset mạ kim loại hay trang sức mang hình dáng cơ thể người đã trở thành dấu ấn mới của Schiaparelli, được nhiều ngôi sao lựa chọn tại các sự kiện lớn như Oscar hay Met Gala. Sự kết nối giữa quá khứ siêu thực và hiện tại đầy theatrical khiến thương hiệu tiếp tục giữ vị thế độc nhất trong thế giới haute couture.<figure class="image"><img src="https://theimpression.com/wp-content/uploads/2026/03/dua-lipa-wears-schiaparelli.jpg" alt="Dua Lipa - The Impression"><figcaption>Nguồn: Maison Schiaparelli</figcaption></figure>

Từ couture lịch sử đến thời trang thảm đỏ

Việc Schiaparelli được trưng bày tại V&amp;A không phải là điều ngẫu nhiên. Bảo tàng này từ lâu đã được xem là một trong những trung tâm lưu trữ thời trang lớn nhất thế giới. Tuy nhiên, triển lãm lần này mang ý nghĩa đặc biệt khi đây là lần đầu tiên nước Anh tổ chức một exhibition quy mô dành riêng cho Schiaparelli.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69c556ea0ba154772756e8d7/master/w_1600%2Cc_limit/Schiaparelli:%2520Fashion%2520Becomes%2520Art%2520at%2520V&amp;A%2520South%2520Kensington%2520(c)%2520Victoria%2520and%2520Albert%2520Museum%2C%2520London%2520(5).jpg" alt="Inside the Shocking and Extraordinary World of Schiaparelli at the V&amp;A | Vogue"><figcaption>Nguồn: Sưu tầm</figcaption></figure>Trong thời đại mà runway chỉ kéo dài vài phút và xu hướng thay đổi chóng mặt, việc đưa couture vào không gian bảo tàng đã nhắc lại một điều quan trọng: thời trang, ở cấp độ cao nhất, luôn là một hình thức nghệ thuật.<figure class="image"><img src="https://www.ianvisits.co.uk/articles/wp-content/uploads/sites/2/2026/03/Schiaparelli-01.jpg" alt="Schiaparelli at the V&amp;A: the designer you've probably not heard of"><figcaption>Nguồn: ianVisits</figcaption></figure> Triển lãm “Schiaparelli: Fashion Becomes Art” kéo dài đến tháng 11/2026, dự kiến thu hút hàng trăm nghìn khách tham quan từ khắp nơi trên thế giới. Nhưng hơn cả một sự kiện thời trang, nó còn là lời khẳng định cho tầm ảnh hưởng của nhà mốt từng bị xem là “quá lập dị” trong thế kỷ 20.Ngày nay, chính sự táo bạo ấy lại trở thành di sản. Và giữa lòng London, những chiếc váy couture của Schiaparelli đang chứng minh một điều: khi thời trang đạt đến đỉnh cao sáng tạo, cả thế giới sẽ phải dừng lại để chiêm ngưỡng.

Thời trang trở thành di sản văn hóa

Giữa trung tâm thời trang và nghệ thuật của châu Âu, Victoria and Albert Museum tại London đang trở thành tâm điểm toàn cầu khi lần đầu tiên tổ chức triển lãm quy mô lớn dành riêng cho nhà mốt Schiaparelli với chủ đề “Schiaparelli: Fashion Becomes Art”. Không phải một show diễn runway thoáng qua, mà là màn trưng bày công khai những kiệt tác haute couture – nơi thời trang được đặt ngang hàng với nghệ thuật thị giác.

Triển lãm quy tụ hơn 200 hiện vật gồm trang phục couture, phụ kiện, trang sức, ảnh lưu trữ và tác phẩm nghệ thuật, kể lại gần một thế kỷ sáng tạo của nhà mốt – từ thời nhà sáng lập Elsa Schiaparelli cho đến kỷ nguyên đương đại dưới sự dẫn dắt của Daniel Roseberry.

Schiaparelli trưng bày loạt cực phẩm thủ công giữa lòng London

Trung tâm của BST là triết lý sáng tạo quen thuộc của Margiela: biến những vật thể tầm thường thành thời trang cao cấp. Lần này, studio lấy cảm hứng từ búp bê sứ thế kỷ 19, sau đó giải cấu trúc hình dáng và chất liệu để tạo nên các silhouette lạ lẫm và hơi méo mó.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69cd2ffc91b233780256af6c/master/w_2560%2Cc_limit/00015-maison-margiela-fall-2026-ready-to-wear-credit-brand.jpg" alt="Maison Margiela Fall 2026 Ready-to-Wear Fashion Show | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Nhiều thiết kế mang cảm giác như quần áo bị biến dạng hoặc tái lắp ráp, với cấu trúc không cân xứng, lớp vải chồng chéo và bề mặt xử lý thô. Đây chính là triết lý Margiela: cái đẹp nằm trong sự không hoàn hảo.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69cd30227f15d8f62eea15c3/master/w_2560%2Cc_limit/00034-maison-margiela-fall-2026-ready-to-wear-credit-brand.jpg" alt="Maison Margiela Fall 2026 Ready-to-Wear Fashion Show | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>

Upcycling và “thẩm mỹ của sự bất toàn”

BST FW26 không tách biệt couture và ready-to-wear như trước mà pha trộn hai thế giới. Những bộ váy sculptural phủ sáp, tailoring bị “phá vỡ”, hay các chất liệu xử lý experimental cho thấy kỹ thuật couture được áp dụng vào trang phục đời thường.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69cd2ff6047399c50f65f742/master/w_2560%2Cc_limit/00012-maison-margiela-fall-2026-ready-to-wear-credit-brand.jpg" alt="Maison Margiela Fall 2026 Ready-to-Wear Fashion Show | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Điều này phản ánh hướng đi của Martens: giữ tinh thần avant-garde của Margiela nhưng đưa nó gần hơn với thực tế mặc hàng ngày.

Sự giao thoa giữa Artisanal và ready-to-wear

Một trong những hình ảnh mang tính biểu tượng của show là gương mặt người mẫu bị che phủ bởi mask hoặc veil. Đây là truyền thống lâu đời của nhà mốt nhằm chuyển sự chú ý khỏi người mẫu sang chính trang phục.Trong bối cảnh thời đại dữ liệu và mạng xã hội, việc che giấu danh tính lại trở thành một tuyên ngôn chống lại sự thương mại hóa bản sắc cá nhân.<figure class="image"><img src="https://img.businessoffashion.com/resizer/v2/BMJ4XISDIRFZHKYEA72PJI4EWI.jpg?auth=839e77b2933b6a2a76342d07291c50c3a13ddad257b11f8a4995c491bb2f72e7&amp;width=1440" alt="In Shanghai, the Martens-Margiela Synchronicity | BoF"><figcaption>Nguồn: Maison Margiela</figcaption></figure>Show diễn được dàn dựng trong mê cung container công nghiệp, khiến khán giả phải di chuyển trong không gian để quan sát các look. Không còn ranh giới rõ ràng giữa người xem và người trình diễn, runway trở thành một dạng performance art – điều vốn là truyền thống của Margiela từ những show đầu tiên.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-4.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/660991724_1483346040498865_604008467469613509_n.jpg?_nc_cat=103&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=2a1932&amp;_nc_ohc=LCaZX5XMuGgQ7kNvwE0_pSG&amp;_nc_oc=AdofGbc3Ff_Jqn5lRsvy3bJJnALI_qIG2WDyJpgGQ-0_NuL43RLLNxiZ2MOcJCj6csE&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-4.fna&amp;_nc_gid=NyO7JDLgUj1VjfP4OfonvA&amp;_nc_ss=7a3a8&amp;oh=00_Af1gtAydvcrpjXzXxMyEHkxtacSND2rSvShC51ukfIiurQ&amp;oe=69D3EDE7" alt="Có thể là hình ảnh về một hoặc nhiều người"><figcaption>Nguồn: Maison Margiela</figcaption></figure>BST Maison Margiela Fall Winter 2026 &nbsp;không chỉ là một bộ sưu tập thời trang mà còn là một tuyên ngôn về identity, imperfection và tái tạo giá trị từ những thứ tưởng chừng vô nghĩa. Dưới bàn tay của Glenn Martens, Margiela tiếp tục chứng minh rằng thời trang avant-garde vẫn có thể tiến hóa mà không đánh mất tinh thần nguyên bản của nhà mốt.

Anonymity – DNA bất biến của Margiela

BST Fall Winter 2026/2027 của Maison Margiela đánh dấu một bước ngoặt quan trọng khi Glenn Martens tiếp tục định hình ngôn ngữ mới cho nhà mốt. Thay vì sân khấu Paris quen thuộc, show được tổ chức tại Shanghai, trong một bãi container công nghiệp, mở ra chương mới cho Margiela khi hướng mạnh đến thị trường toàn cầu.

Maison Margiela Fall Winter 2026 : Khi sự “không hoàn hảo” trở thành tuyên ngôn thời trang

Sự hợp tác giữa Lisa và Kith nhanh chóng tạo hiệu ứng lan truyền trên mạng xã hội ngay khi vừa được hé lộ. Các thiết kế mang tinh thần streetwear đặc trưng của Kith nhưng được điều chỉnh để phản ánh hình ảnh cá nhân của Lisa: trẻ trung, năng động và pha trộn giữa hip-hop với pop culture. Những item như hoodie, áo thun graphic hay phụ kiện đều nhanh chóng trở thành chủ đề bàn tán của cộng đồng fan và giới yêu thời trang, minh chứng cho sức hút thương mại mà cô mang lại.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-4.fna.fbcdn.net/v/t51.82787-15/636902145_18563031550053549_8199585748822038255_n.jpg?_nc_cat=100&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=pUBOvuluiSUQ7kNvwG4FBYv&amp;_nc_oc=AdotUK3CC6Js9B3d9vI1ZelLlgokIkgMS8jNYVcvWDs9CQ_nBR_ycjCuqe-uz_UW1I4&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-4.fna&amp;_nc_gid=e8W9BzBxpjKOagdluxAZfQ&amp;_nc_ss=7a32e&amp;oh=00_AfxharT2X5J6rc9N7MDSo1TLiRB0WRdOATAheC5IQCSwbA&amp;oe=69C6B2A7" alt="Không có mô tả ảnh."><figcaption>Nguồn: Kith</figcaption></figure>Nếu dự án với Kith cho thấy sức mạnh của một collaboration chiến lược, thì màn xuất hiện của thương hiệu cá nhân LLOUD tại ComplexCon lại cho thấy tham vọng lớn hơn. ComplexCon vốn là một trong những sự kiện văn hóa streetwear và pop culture quan trọng nhất thế giới, nơi quy tụ các thương hiệu thời trang, nghệ sĩ và cộng đồng sneakerhead. Việc Lisa đưa bộ sưu tập merch của LLOUD tới đây không chỉ mang tính quảng bá fan culture, mà còn là cách đặt thương hiệu của mình vào hệ sinh thái streetwear toàn cầu.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-4.fna.fbcdn.net/v/t51.82787-15/653906557_17943142989150436_4398339484558368451_n.jpg?_nc_cat=105&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=JdnYpiAdhgUQ7kNvwHTS4Du&amp;_nc_oc=Adpy9RfxpQ96p_M1Ep8uja-w8kjDTtevsZ9No_rn4BEpy0pHZp9rasphoFu3UxbQpV0&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-4.fna&amp;_nc_gid=L1rIUpf9TVysyhBvo9y6CA&amp;_nc_ss=7a32e&amp;oh=00_AfwELaR3sXaIA2iMOMFvKNqq4_R-ZdnpQlbRbVGeOOOqpQ&amp;oe=69C6A6FA" alt="Có thể là tác phẩm nghệ thuật đại chúng về trái tim và văn bản"><figcaption>Nguồn: LLOUD Co.﻿</figcaption></figure>

Từ biểu tượng mặc đẹp đến người tạo ra sản phẩm

Điểm thú vị nằm ở chỗ: Lisa không đơn thuần chỉ gắn tên mình lên sản phẩm. Các bộ sưu tập gắn với cô thường được xây dựng xoay quanh cá tính thời trang đã định hình từ trước – sự kết hợp giữa Y2K, hip-hop và street luxury. Chính phong cách nhất quán này khiến mọi dự án thời trang của cô dễ dàng trở thành chủ đề thảo luận, từ cộng đồng fan K-pop cho đến giới trẻ yêu streetwear.<figure class="image"><img src="https://scontent.fdad1-4.fna.fbcdn.net/v/t51.82787-15/634368059_18563024533053549_6511546349412987722_n.jpg?_nc_cat=103&amp;ccb=1-7&amp;_nc_sid=13d280&amp;_nc_ohc=E1YG_biqTEQQ7kNvwGIeL6U&amp;_nc_oc=AdpijhHcx244I6wsYz2SFvGIcqu-DM_OI8VmgyqFumasOe9aayybUhcfZF9B0hhkQOE&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=scontent.fdad1-4.fna&amp;_nc_gid=-EiznjiPE-vf47KMbL9-9g&amp;_nc_ss=7a32e&amp;oh=00_AfxMhr0AvL5zvP8PYMFucuf21aP17JRSyoUSCHOIp8EwGw&amp;oe=69C68B42" alt="Có thể là hình ảnh về váy ngủ và đồ ngủ"><figcaption>Nguồn: Kith</figcaption></figure>Trong bối cảnh ngành công nghiệp thời trang ngày càng phụ thuộc vào văn hóa fandom và sức lan tỏa của mạng xã hội, những nhân vật như Lisa đóng vai trò gần giống một “hệ sinh thái ảnh hưởng”. Một bộ sưu tập có thể chưa cần quá phức tạp về mặt thiết kế, nhưng chỉ cần gắn với một biểu tượng văn hóa đủ lớn, nó đã có khả năng kích hoạt làn sóng tiêu dùng và thảo luận trên toàn cầu.Chính vì vậy, gọi Lisa là fashion icon không còn chỉ vì cô mặc đẹp. Quan trọng hơn, cô đang dần trở thành một nhân tố có khả năng biến phong cách cá nhân thành sản phẩm thời trang cụ thể – điều mà không phải thần tượng nào cũng làm được trong hệ sinh thái thời trang đương đại.

Khi idol K-pop trở thành “cỗ máy tạo xu hướng”

Trong nhiều năm, Lisa luôn được nhắc đến như một trong những gương mặt có sức ảnh hưởng thời trang mạnh nhất của thế hệ idol K-pop. Tuy nhiên, vài năm gần đây, tầm ảnh hưởng đó đã dịch chuyển từ việc mặc gì cũng cháy hàng sang một giai đoạn mới: tham gia trực tiếp vào quá trình tạo ra sản phẩm thời trang. Hai dự án gần đây – màn bắt tay với Kith và bộ sưu tập merch của thương hiệu riêng LLOUD tại ComplexCon – cho thấy Lisa đang dần chuyển mình từ fashion muse thành fashion creator.

Lisa ra mắt loạt bộ sưu tập thời trang với vai trò thiết kế chính

Điều thú vị là quá trình hoàn thiện chiếc váy cũng trở thành một phần của câu chuyện. Khi Emma đang được làm tóc và trang điểm, các florist (người làm/nghệ nhân cắm hoa) vẫn tiếp tục cài từng bông hoa lên trang phục ngay bên cạnh. Không có một khoảnh khắc nào mà chiếc váy thực sự “hoàn thành” trước khi bước lên thảm đỏ. Nó được tạo ra, thay đổi và hoàn thiện gần như cùng lúc với khoảnh khắc Emma xuất hiện. Emma cùng stylist Jared Ellner bắt đầu xây dựng ý tưởng từ những bản phác thảo đầu tiên, với mong muốn biến trang phục thành một cách kể chuyện thay vì chỉ đơn thuần là một bộ váy dự sự kiện. Phần thân váy mang phom off-shoulder màu đen, được làm từ vải nhung đen từ vật liệu tái chế có nguồn gốc tại Los Angeles. Trên nền vải tối màu ấy, florist Anthony Maslo cùng đội ngũ của mình trực tiếp đặt từng bông hoa trắng lên váy trong ngày diễn ra sự kiện, từ nhiều loại lan Phalaenopsis, Dendrobium đến hoa Nerine và Gloriosa.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791182210387_657754.webp"></figure><figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791182246818_91358.webp"><figcaption>Nguồn: Vouge</figcaption></figure>

MỘT CHIẾC VÁY ĐƯỢC “LÀM” NGAY TRÊN THẢM ĐỎ

Nếu nhìn vào hành trình thời trang của Emma Watson, chiếc váy hoa lần này không phải một màn đổi hướng bất ngờ sang sustainability. Từ nhiều năm trước, cô đã biến những lựa chọn trên thảm đỏ thành một phần trong cách mình nói về thời trang. Năm 2016, chiếc váy Calvin Klein cô mặc tại Met Gala được làm từ sợi tái chế từ chai nhựa; đến tour quảng bá&nbsp;Beauty and the Beast năm 2017, Emma tiếp tục xây dựng cả một hệ thống trang phục xoay quanh những lựa chọn có yếu tố bền vững và từng lập riêng tài khoản The Press Tour để ghi lại nguồn gốc, chất liệu và câu chuyện phía sau từng look.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791182471796_784313.jpg"><figcaption>Nguồn: Rex</figcaption></figure>Câu chuyện ấy thậm chí còn đi xa hơn những bộ váy trên thảm đỏ. Emma từng hợp tác với People Tree từ năm 2009, tham gia thiết kế các bộ sưu tập Fair Trade và organic; sau đó cô tiếp tục trở thành người ủng hộ Good On You và tham gia vào các hoạt động thúc đẩy thời trang có trách nhiệm. Năm 2020, cô gia nhập hội đồng quản trị Kering và giữ vai trò chủ tịch Ủy ban Sustainability. Vì vậy, điều đáng chú ý ở chiếc váy tại Lucas Museum không nằm ở việc Emma Watson “lại mặc đồ sustainable”. Nó nằm ở cách cô tiếp tục đưa sustainability vào một câu chuyện lớn hơn về thời trang: lần này là thiên nhiên, sự hữu hạn và cách chúng ta nhìn nhận vẻ đẹp.

SUSTAINABILITY KHÔNG PHẢI CÂU CHUYỆN MỚI CỦA EMMA WATSON

Emma và Jared Ellner muốn “living and natural” - một thứ sống động và tự nhiên - trở thành nguồn vẻ đẹp chính của trang phục thay vì những chi tiết trang trí thông thường. Chính vì vậy, hoa tươi không được sử dụng như một họa tiết mô phỏng thiên nhiên mà trở thành một phần thực sự của chiếc váy. Nhưng hoa tươi cũng đồng nghĩa với việc chiếc váy không thể giữ nguyên trạng. Những cánh hoa sẽ thay đổi, héo đi và biến mất. Với Emma, sự thay đổi ấy không phải một lỗi của thiết kế mà chính là một phần của thông điệp. Chiếc váy nhắc người mặc rằng có những thứ đẹp nhất khi chúng ta ý thức được rằng mình không thể giữ chúng mãi mãi. Ngay cả phụ kiện cũng tiếp tục câu chuyện ấy. Túi và trang sức của Emma được làm từ reclaimed glass (thủy tinh tái chế có thể được nung chảy) và tạo thành hình dạng mới nhiều lần mà không làm mất đi chất lượng của vật liệu. Sau buổi tối, những bông hoa trên váy được tháo xuống cẩn thận và ép lại thay vì bị bỏ đi.<figure class="image"><img src="https://bd-media-production.hcm.ss.bfcplatform.vn/upload_media/05-10-26/1791183053246_371201.webp"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>

KHI HOA KHÔNG CÒN CHỈ LÀ TRANG TRÍ

Có lẽ cũng không phải ngẫu nhiên Emma chọn cách xuất hiện như vậy tại Lucas Museum of Narrative Art - một bảo tàng được xây dựng xoay quanh sức mạnh của visual storytelling và cách những hình ảnh có thể kể lại những câu chuyện về con người. Nếu chiếc váy thông thường được tạo ra để tồn tại lâu hơn một khoảnh khắc trên thảm đỏ, chiếc váy của Emma lại chọn điều ngược lại. Nó sống trong đúng một đêm, thay đổi theo từng giờ, rồi biến mất khỏi hình hài ban đầu. Nhưng khi những bông hoa được ép lại, câu chuyện của chiếc váy vẫn còn đó. Có lẽ đó cũng là cách Emma Watson đang tiếp tục kể câu chuyện sustainability của mình: không phải bằng một chiếc váy cố gắng tồn tại mãi mãi, mà bằng một chiếc váy nhắc chúng ta rằng đôi khi, biết trân trọng một thứ trong lúc nó còn đang tồn tại cũng là một cách để sống có ý thức hơn.

MỘT ĐÊM, MỘT CHIẾC VÁY, MỘT CÂU CHUYỆN

Tại lễ khai trương Lucas Museum of Narrative Art ở Los Angeles, giữa một thảm đỏ quy tụ hàng loạt tên tuổi lớn của Hollywood, Emma Watson xuất hiện trong một chiếc váy đen phủ đầy những bông hoa trắng. Nhưng đây không phải kiểu trang phục được tạo ra để lưu giữ vẻ hoàn hảo càng lâu càng tốt. Những bông hoa được gắn trực tiếp lên váy ngay trong ngày diễn ra sự kiện, nở rộ trong vài giờ rồi được tháo xuống và ép lại làm kỷ niệm. Một chiếc váy gần như chỉ tồn tại trọn vẹn trong một đêm, và có lẽ chính sự ngắn ngủi ấy mới là điều khiến nó đáng nhớ.

EMMA WATSON VÀ CHIẾC VÁY CHỈ TỒN TẠI TRONG MỘT ĐÊM

Có những mối quan hệ giữa idol và luxury house biến mất ngay khi spotlight đổi hướng. Nhưng với Haerin và Dior, câu chuyện lại có vẻ khác.Từ năm 2023, Haerin đã trở thành global ambassador cho Dior Joaillerie, đồng thời là house ambassador cho mảng thời trang và làm đẹp của Dior. Khi ấy, cô mới 16 tuổi nhưng đã nhanh chóng trở thành một trong những gương mặt trẻ đáng chú ý nhất của nhà mốt Pháp.<figure class="image"><img src="https://www.mings.hk/wp-content/uploads/2023/04/WhatsApp-Image-2023-04-26-at-6.24.54-PM-5.jpeg" alt="怪物女團」NEWJEANS 「貓女」 HAERIN 正式出任DIOR 品牌大使 ..."><figcaption>Nguồn: Dior</figcaption></figure>Rồi NewJeans bước vào một trong những giai đoạn bất ổn nhất của nhóm. Những tranh chấp với ADOR khiến hoạt động của cả nhóm bị đình trệ, trong khi Haerin gần như rút khỏi ánh đèn truyền thông trong một thời gian dài. Nhưng điều đáng chú ý là Dior không biến Haerin thành một cái tên của quá khứ.<figure class="image"><img src="https://cdn.elle.vn/X0AwKAggZqNRQfJS1wG9ucc5GuoRu82bOCaxUo5svmk/rs:fit:1280:0/sharpen:0.5/quality:82/2024/05/23/588490/FALL-24-DENIM-DIOR-OBLIQUE-CAMPAIGN-WITH-HAERIN-%C2%A9-Tanya-Zhenya-Posternak-13.jpg@webp" alt="Haerin (NewJeans) là gương mặt đại diện cho chiến dịch Denim Dior Oblique | ELLE"><figcaption>Nguồn: ELLE</figcaption></figure>Đến tháng 8/2026, những hình ảnh mới của Haerin cùng Dior perfume và hoa bất ngờ xuất hiện trên tài khoản chính thức của NewJeans. Trong bối cảnh cô gần như vắng bóng khỏi các hoạt động công khai, sự xuất hiện này đặc biệt đáng chú ý: Dior vẫn đang duy trì mối liên kết với Haerin, thay vì đơn giản thay thế cô bằng một gương mặt mới.

MỐI DUYÊN TỪ LÂU

Tháng 8/2026, Haerin xuất hiện trên bìa Marie Claire Korea số tháng 9, trong một dự án đặc biệt cùng Dior Beauty. Đây cũng được ghi nhận là hoạt động cá nhân đầu tiên của cô sau khi trở lại ADOR. Bộ ảnh mang chủ đề “The First Bloom”, đưa Haerin vào hình ảnh nhẹ nhàng, trong trẻo và trưởng thành hơn, kết hợp cùng Miss Dior Eau de Parfum và Rouge Dior On Stage Ink Blur.<figure class="image"><img src="https://newsimg.koreatimes.co.kr/2026/08/14/b5934184-4369-4902-be0f-bd1896949247.jpg" alt="NewJeans' Haerin graces magazine cover in 1st project since ..."><figcaption>Nguồn: Marie Claire</figcaption></figure>Đáng chú ý hơn, đây không chỉ là một lần Haerin mặc Dior để xuất hiện trên tạp chí. Cả concept của editorial đều được xây dựng xoay quanh Dior Beauty, từ nước hoa, makeup cho đến cách hình ảnh của Haerin được kể lại. Dior vì thế không đơn thuần xuất hiện như một thương hiệu tài trợ cho bộ ảnh, mà tiếp tục đặt Haerin vào đúng vị trí của một gương mặt đại diện.<figure class="image"><img src="https://instagram.fdad2-1.fna.fbcdn.net/v/t51.82787-15/800780264_17986842933112901_5578099959958166205_n.jpg?stp=dst-jpg_e35_tt6&amp;_nc_cat=100&amp;_nc_map=urlgen_bucketless&amp;ig_cache_key=Mzk4MTQ3NDQxMDY4NTk3MDA5NQ%3D%3D.3-ccb7-5&amp;ccb=7-5&amp;_nc_sid=58cdad&amp;efg=eyJ2ZW5jb2RlX3RhZyI6IkNBUk9VU0VMX0lURU0ueHBpZHMuMzA3Mi5zZHIucmVndWxhcl9waG90by5DMyJ9&amp;_nc_ohc=8ezeyIMiMtwQ7kNvwHoWTI8&amp;_nc_oc=AdpXsbDftkAmZmvJQhLj9i8tHNlnisIi4rBQIqMmCoduLV5a6jRozj9iV_Gb5nms_sc&amp;_nc_ad=z-m&amp;_nc_cid=0&amp;_nc_zt=23&amp;_nc_ht=instagram.fdad2-1.fna&amp;_nc_gid=K5JMFnrJ5nYWFGlvXDxKTg&amp;_nc_ss=7a22e&amp;oh=00_AQI--N5BwgHX_NzZwZ-2c9quv-Ra3u16J6Fj6W4f-r1iiw&amp;oe=6AB2993B" alt="Photo by ELLE MEN HK on September 07, 2026. May be an image of handbag and text that says &quot;ON 1AU&quot;."><figcaption>Nguồn: ELLE</figcaption></figure>Và rồi đến tháng 9, Haerin tiếp tục xuất hiện tại lễ khai trương pop-up Rouge Dior On Stage ở Lotte Department Store Jamsil Avenuel, Seoul. Cô tham dự sự kiện cùng Peter Philips, Creative Director của Dior Makeup, trong không gian dành riêng cho ba hiệu ứng son Ink Blur, Matte và Shine.Nếu chỉ nhìn từng hoạt động riêng lẻ, đây đơn giản là một bìa tạp chí và một event beauty. Nhưng đặt chúng cạnh nhau, câu chuyện lại thú vị hơn: sau một thời gian rất dài gần như không xuất hiện, Haerin trở lại công chúng và Dior vẫn tiếp tục dành cho cô những sân khấu thương hiệu rất rõ ràng.

GẦN 2 NĂM IM TIẾNG, HAERIN TRỞ LẠI VỚI… DIOR

Khi được Dior bổ nhiệm năm 2023, Haerin vẫn là một gương mặt rất trẻ. Thứ khiến cô phù hợp với Dior không chỉ là độ nổi tiếng của NewJeans, mà còn là hình ảnh khá đặc biệt: lạnh nhưng không xa cách, nữ tính nhưng không quá điệu, có nét cổ điển nhưng vẫn rất Gen Z.<figure class="image"><img src="https://i.redd.it/230908-haerin-x-dior-jewelry-rose-des-vents-website-update-v0-dzkuyffoe1nb1.jpg?width=1110&amp;format=pjpg&amp;auto=webp&amp;s=5d039593659b43ecc3bfba35a1f635e0c945d83d" alt="230908 Haerin x Dior Jewelry 'Rose Des Vents' Website Update : r/NewJeans"><figcaption>Nguồn: Dior</figcaption></figure>Và sau khoảng thời gian Haerin gần như biến mất khỏi đời sống thời trang, Dior vẫn không lập tức thay cô bằng một gương mặt mới. Điều này cho thấy luxury ambassador không phải lúc nào cũng vận hành theo logic rất nhanh của social media — hôm nay ai viral nhất, ngày mai chọn người đó.Một đại sứ phù hợp với maison có thể mang lại thứ khác: sự nhận diện lâu dài.<figure class="image"><img src="https://stylerepublik.vn/uploads/2024/05/FALL-24-DENIM-DIOR-OBLIQUE-CAMPAIGN-WITH-HAERIN-%C2%A9-Tanya-Zhenya-Posternak-10-scaled.jpg" alt="Đại sứ Dior Haerin thu hút mọi ánh nhìn trên đường phố New York trong BST Dior Fall 2024"><figcaption>Nguồn: Dior</figcaption></figure>Haerin cũng có một lợi thế mà không phải celebrity nào cũng có: hình ảnh của cô khá nhất quán với Dior. Ngay cả khi không hoạt động, cô vẫn không bị gắn với quá nhiều hình ảnh thương mại đối nghịch nhau. Vì thế, khi trở lại, việc đặt Haerin vào một thế giới Dior không tạo cảm giác phải “xây lại” hình tượng từ đầu.Có lẽ vì vậy không nhất thiết phải xuất hiện mỗi tháng, mỗi mùa, nhưng khi người đó trở lại, thương hiệu vẫn còn dành một chỗ dành cho họ. Và năm 2026, vị trí đó vẫn là của Haerin.

Có những đại sứ thương hiệu cần xuất hiện liên tục để giữ độ nóng, nhưng cũng có những mối quan hệ đủ chắc để một khoảng im lặng dài vẫn không làm chúng biến mất. Haerin và Dior dường như đang thuộc về trường hợp thứ hai.

DIOR CÓ LẼ SẼ LUÔN ĐỢI HAERIN (NEWJEANS)

Anok Yai không bước vào Hollywood với tư cách một gương mặt vô danh. Cô đã có nhiều năm làm việc với những nhà mốt lớn, xuất hiện trên các sàn diễn và chiến dịch thời trang hàng đầu, đồng thời xây dựng một hình ảnh cá nhân đủ mạnh để mỗi lần xuất hiện đều tạo được sự chú ý. Chính nền tảng đó khiến việc chuyển sang diễn xuất trở thành một bước đi khá tự nhiên.<figure class="image"><img src="https://static.time.com/v3/assets/bltea6093859af6183b/bltea689400be671c45/69d7cf5611788e7017ccc41f/T100-2026-Web-Anok-Yai.jpg?branch=production&amp;width=3840&amp;quality=75&amp;auto=webp&amp;crop=3:2%2Coffset-x100.00%2Coffset-y0.00" alt="Anok Yai Is on the 2026 TIME100 List"><figcaption>Nguồn: TIME</figcaption></figure>Điểm đáng chú ý là Anok đã dành nhiều năm học diễn xuất trước khi bắt đầu nghiêm túc audition. Với cô, công việc người mẫu cũng đã phần nào rèn luyện khả năng nhập vai: mỗi bộ ảnh, mỗi concept lại yêu cầu cô trở thành một phiên bản khác nhau của chính mình. Màn xuất hiện trong The Devil Wears Prada 2 vì thế có thể xem như bước thử nghiệm đầu tiên cho tham vọng lớn hơn.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/95163781-c328-4d97-ad53-1c4f56903719.jpeg?crop=1xw:1xh;center,top" alt="All the Cameos in 'The Devil Wears Prada 2'"><figcaption>Nguồn: Harper's Bazaar</figcaption></figure>

Từ runway đến màn ảnh

Có ngoại hình để bước vào Hollywood là một chuyện, nhưng có đủ sức nặng để ở lại lại là chuyện khác. Lịch sử Hollywood từng chứng kiến không ít người mẫu chuyển sang diễn xuất nhưng không thể thoát khỏi cái bóng của chính mình. Với Anok, thử thách lớn nhất sẽ là chứng minh cô không chỉ phù hợp với những vai diễn được lựa chọn vì ngoại hình.<figure class="image"><img src="https://media.vogue.co.uk/photos/6819e3df7b905f3818c08ed1/2:3/w_2560%2Cc_limit/ANOK-66_Final.jpg" alt="Anok Yai's 2025 Met Gala Look By Thom Browne Is One Of The Smartest Responses To The Theme | British Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Tuy nhiên, cô đang có một lợi thế mà nhiều diễn viên mới không sở hữu: star power đã được xây dựng từ trước. Anok đã có cộng đồng thời trang, sự nhận diện quốc tế và khả năng tạo ra hình ảnh mang tính biểu tượng. Nếu diễn xuất đủ tốt để bổ sung cho những lợi thế đó, cô hoàn toàn có thể trở thành kiểu ngôi sao giao thoa giữa thời trang và điện ảnh — một vị trí ngày càng có giá trị trong Hollywood hiện đại.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/elm080124wlanok-009-6696aa68d3901.jpg?crop=1.00xw:0.919xh;0,0.0375xh&amp;resize=2048:*" alt="Anok Yai on Modeling, Creating Characters, and Making Art"><figcaption>Nguồn: ELLE</figcaption></figure>Anok Yai đã chinh phục được runway. Bây giờ, Hollywood sẽ quyết định liệu cô chỉ là một supermodel biết diễn, hay có thể thực sự trở thành một ngôi sao điện ảnh.

Visual có đủ để trở thành ngôi sao?

Từ một trong những gương mặt thống trị runway đến tham vọng bước lên màn ảnh, Anok Yai đang đứng trước một bước chuyển lớn trong sự nghiệp: Hollywood. Sau nhiều năm khẳng định vị thế trong thời trang, cô bắt đầu nghiêm túc theo đuổi diễn xuất và đã có màn xuất hiện trong The Devil Wears Prada 2. Với visual đặc trưng, sức hút trước ống kính và độ nhận diện toàn cầu, Anok có nhiều lợi thế để bước vào Hollywood. Nhưng từ một supermodel được săn đón đến một diễn viên thực thụ vẫn là khoảng cách không nhỏ.

ANOK YAI LẤN SÂN DIỄN XUẤT?

Điểm đáng nói nhất trong thời trang của Zendaya không nằm ở việc cô sở hữu nhiều bộ váy đẹp, mà ở sự nhất quán giữa trang phục, nhân vật và bộ phim đang được quảng bá. Với Dune: Part Two, cô không chọn những thiết kế futuristic một cách ngẫu nhiên. Bộ bodysuit Thierry Mugler Haute Couture 1995 bằng kim loại, hay thiết kế Givenchy của Alexander McQueen từ cuối thập niên 1990, đều khiến hình ảnh của cô gắn trực tiếp với thế giới khoa học viễn tưởng của Dune. Riêng bộ Mugler đã tạo ra khoảng 13,3 triệu USD giá trị truyền thông cho nhà mốt, cho thấy một khoảnh khắc trên thảm đỏ hoàn toàn có thể tạo ra giá trị thương hiệu đáng kể.<figure class="image"><img src="https://static.voguescandinavia.com/Emma_Wiklund_on_Zendaya_s_Mugler_robot_suit_c22a78c0b1/Emma_Wiklund_on_Zendaya_s_Mugler_robot_suit_c22a78c0b1.jpg" alt="After Zendaya's major Mugler moment, Swedish supermodel Emma Wiklund weighs in on wearing one of the original robot suits - Vogue Scandinavia"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Đến Challengers, Zendaya lại chuyển sang một ngôn ngữ khác: tennis. Trang phục lấy cảm hứng từ đồng phục thi đấu, màu xanh của sân bóng, giày có hình quả tennis hay những thiết kế vintage của Ralph Lauren, Vivienne Westwood... tạo thành một hệ thống hình ảnh xuyên suốt cả chuyến quảng bá. Theo Launchmetrics, riêng những thiết kế Loewe trong chuyến quảng bá Challengers tạo ra 8,8 triệu USD Media Impact Value, trong khi các look của Louis Vuitton tạo thêm 5,5 triệu USD.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/gettyimages-2147031637-6616df8c7614f.jpg" alt="Zendaya Wears Thom Browne Dress With Leg Slit to London Premiere"><figcaption>Nguồn: ELLE</figcaption></figure>Điều này quan trọng bởi Zendaya không chỉ giúp khán giả nhớ đến bộ phim, mà còn khiến họ nhớ đến những thương hiệu đứng phía sau trang phục. Một chiếc váy không còn kết thúc vòng đời khi nữ diễn viên rời khỏi thảm đỏ; nó tiếp tục được đăng lại, phân tích, tìm kiếm và bàn luận trên mạng xã hội. Đó chính là lúc thời trang trở thành một phần của hoạt động marketing thay vì chỉ là hình thức trang trí.

ZENDAYA KHÔNG ĐI THẢM ĐỎ — CÔ XÂY DỰNG MỘT “CÂU CHUYỆN” CHO MỖI BỘ PHIM

Zendaya và Law Roach cũng góp phần thay đổi kỳ vọng của công chúng đối với một ngôi sao trên thảm đỏ. Trước đây, một diễn viên chỉ cần xuất hiện trong một bộ lễ phục đẹp, phù hợp với sự kiện. Nhưng sau những trường hợp như Zendaya, một bộ phim lớn gần như phải có một câu chuyện hình ảnh tương xứng. Vogue từng nhận định cách làm của Zendaya đã góp phần định hình xu hướng các diễn viên “mặc như nhân vật” khi quảng bá phim — từ Dune đến Challengers, rồi sau đó được nhiều ngôi sao khác áp dụng.<figure class="image"><img src="https://images.lifestyleasia.com/wp-content/uploads/sites/8/2024/04/29163515/GettyImages-2064698011-scaled.jpg" alt="รู้จัก Law Roach สไตลิสต์คนดังผู้อยู่เบื้องหลังทุกชุดไอคอนิก ..."><figcaption>Nguồn: Lifestyle Asia</figcaption></figure>Tất nhiên, đây cũng là một con dao hai lưỡi. Khi phương thức này trở nên phổ biến, “method dressing” dễ biến thành công thức: phim nói về gì thì diễn viên mặc đúng thứ đó. Zendaya cũng từng bị nhận xét rằng một số tạo hình của Challengers quá trực diện. Nhưng chính sự khác biệt giữa những khoảnh khắc thành công và chưa thành công lại cho thấy điều làm Zendaya nổi bật không đơn thuần là cô mặc đồ đẹp, mà là cô có khả năng khiến một bộ trang phục trở thành một sự kiện văn hóa nhỏ.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/6a0ec657d9f84fe3b509fcb8/master/w_2560%2Cc_limit/2277391712" alt="Zendaya Loved Louis Vuitton Resort 2027 So Much, She Left Wearing It | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Và đó có lẽ mới là “impact” lớn nhất của Zendaya. Cô không cần mọi bộ phim đều khiến tất cả khán giả đồng ý rằng mình là diễn viên xuất sắc nhất. Nhưng cô đã khiến khán giả hình thành một thói quen khác: mỗi khi Zendaya xuất hiện, họ muốn biết cô sẽ mặc gì. Từ một diễn viên trẻ bước ra từ Disney, cô đã cùng Law Roach xây dựng được một ngôn ngữ thời trang đủ mạnh để biến thảm đỏ thành một phần không thể tách rời khỏi hình ảnh sự nghiệp của mình.

TỪ “MẶC ĐẸP” ĐẾN TẠO RA MỘT CHUẨN MỚI CHO THẢM ĐỎ HOLLYWOOD

Zendaya đang sở hữu một nghịch lý khá hiếm ở Hollywood: mức độ được bàn luận về thời trang đôi khi còn vượt qua chính màn trình diễn của cô trên màn ảnh. Khả năng diễn xuất của Zendaya vẫn có thể gây tranh luận, nhưng gần như không còn tranh luận nào về việc cô là một trong những gương mặt có sức ảnh hưởng lớn nhất trên thảm đỏ. Mỗi lần xuất hiện, người ta không chỉ hỏi cô mặc của nhà mốt nào, mà còn chờ xem cô sẽ kể câu chuyện gì qua trang phục. Đó là kết quả của hơn một thập kỷ hợp tác với Law Roach, khi cả hai biến việc ăn mặc từ một phần phụ của hoạt động quảng bá thành một chiến lược hình ảnh có chủ đích. Vogue thậm chí nhận định những lần xuất hiện của Zendaya hiện được mong đợi không kém các màn trình diễn của cô.

ZENDAYA: DIỄN XUẤT CÒN GÂY TRANH CÃI, NHƯNG IMPACT THẢM ĐỎ THÌ KHÓ AI BẮT KỊP

Dolly Parton chưa bao giờ cố gắng trở thành hình mẫu thanh lịch theo nghĩa truyền thống. Mái tóc vàng phồng, váy ôm sát, sequin, rhinestone, móng tay dài, giày cao gót và những đường cong được nhấn mạnh trở thành bộ nhận diện không thể tách rời khỏi bà. Dolly từng tự mô tả phong cách của mình bằng cụm từ “glamorous trash”, nhưng đằng sau vẻ ngoài có phần phô trương ấy là một lựa chọn rất có chủ đích: bà biến những thứ từng bị coi là phù phiếm, quê mùa hay “quá nhiều” thành quyền lực cá nhân.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://images2.thanhnien.vn/528068263637045248/2026/8/26/dolly-parton-ap-17877166739231991932717.png" alt="Huyền thoại nhạc đồng quê Dolly Parton qua đời"><figcaption>Nguồn: Sưu tầm</figcaption></figure>Hình tượng “Backwoods Barbie” của Dolly cũng bắt nguồn từ một người phụ nữ mà bà từng nhìn thấy khi còn nhỏ — một người bị cộng đồng đánh giá vì ăn mặc nổi bật, nhưng lại khiến Dolly cảm thấy đẹp và tự tin. Thay vì né tránh những định kiến về một phụ nữ tóc vàng, gợi cảm và ăn mặc cầu kỳ, bà phóng đại chúng đến mức biến chúng thành thương hiệu. Chính tinh thần ấy sau này trở thành nguồn cảm hứng cho nhiều thế hệ nghệ sĩ nữ, từ Miley Cyrus đến những ngôi sao pop theo đuổi camp, maximalism và tư duy “more is more”. Dolly không chạy theo xu hướng; bà khiến xu hướng phải quay lại tìm mình.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/dolly-parton-1976-1585674467.jpg?crop=0.9142857142857144xw:1xh;center,top" alt="Dolly Parton Through the Years: 32 Photos of Her Life and Career"><figcaption>Nguồn: The Pioneer Woman</figcaption></figure>

Khi “làm lố” trở thành một tuyên ngôn thời trang

Điều khiến Dolly Parton trở nên đặc biệt là ảnh hưởng của bà chưa bao giờ dừng ở ngoại hình. Từ một cô gái lớn lên trong gia đình nghèo ở Tennessee, Dolly trở thành ca sĩ, nhạc sĩ, diễn viên, nhà sản xuất và doanh nhân, xây dựng sự nghiệp kéo dài hơn sáu thập kỷ mà gần như không đánh mất bản sắc cá nhân. Quan trọng hơn, bà biến sức ảnh hưởng thành giá trị xã hội thông qua Imagination Library, chương trình cung cấp sách miễn phí cho trẻ em, cùng nhiều hoạt động hỗ trợ giáo dục, y tế và cộng đồng. Dolly vì thế tạo ra một hình mẫu phụ nữ rất khác: có thể vừa quyến rũ vừa thông minh, vừa hào nhoáng vừa có chiều sâu, vừa làm chủ hình ảnh vừa làm chủ sự nghiệp.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://cdn10.bigcommerce.com/s-o6vy9cv/products/178111/images/173545/b0c87cae-54f2-5f69-a10b-8e2f847e6a2e__89470.1658084513.1280.1280.jpg?c=2" alt="Dolly Parton on stage holding guitar mid 1970's in pink dress 8x10 inch photo - Moviemarket"><figcaption>Nguồn: Movie Market</figcaption></figure>Có lẽ đó mới là cuộc cách mạng lớn nhất mà bà để lại: Dolly không dạy phụ nữ phải bớt đi để được công nhận, mà cho họ thấy rằng hoàn toàn có thể biến chính những điều từng bị xem là “quá nhiều” thành sức mạnh. Và dù thời trang có thay đổi bao nhiêu lần, di sản của Dolly Parton vẫn sẽ mãi lấp lánh — như chính những viên rhinestone đã góp phần viết nên huyền thoại của bà.

Không chỉ là biểu tượng thời trang, mà là một di sản văn hóa

Dolly Parton không chỉ là một trong những biểu tượng lớn nhất của nhạc country. Bà là một hiện tượng văn hóa — một người phụ nữ biến mái tóc vàng khổng lồ, rhinestone, giày cao gót, đường cong và vẻ ngoài “quá tay” thành một thứ ngôn ngữ cá nhân không thể sao chép. Sau khi qua đời ở tuổi 80 vào ngày 25/8/2026, di sản của Parton càng cho thấy một điều: bà không chỉ tạo ra những bài hát nổi tiếng, mà còn tạo ra một hình mẫu phụ nữ hoàn toàn khác với những gì xã hội từng kỳ vọng.

DOLLY PARTON: NGƯỜI PHỤ NỮ DÙNG THỜI TRANG, ÂM NHẠC VÀ SỰ “QUÁ MỨC” ĐỂ THAY ĐỔI CẢ MỘT THẾ HỆ

Alex Consani đang là một trong những cái tên tiêu biểu nhất cho thế hệ người mẫu mới, nơi sức ảnh hưởng trên mạng xã hội có thể song hành với vị thế trên sàn diễn high fashion. Bắt đầu làm mẫu từ năm 12 tuổi và ký với IMG Models vào năm 2019, Consani dần tạo dấu ấn nhờ cá tính hài hước, năng lượng khác biệt cùng lượng người theo dõi lớn trên TikTok.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://www.chanel.com/images/q_auto:good,f_auto,fl_lossy,dpr_1.1/w_960/FSH-1773139290051-021.jpg" alt="Show diễn Thu Đông 2026 - Look [lookIndex] — Thời trang | CHANEL"><figcaption>Nguồn: CHANEL</figcaption></figure>Nhưng thay vì chỉ được biết đến như một hiện tượng mạng xã hội, cô nhanh chóng bước vào những sân khấu danh giá của thời trang, liên tục xuất hiện trong show của các nhà mốt như Chanel, Versace, Burberry, Schiaparelli, Givenchy, Marc Jacobs, Tom Ford hay Alexander McQueen. Năm 2024 đánh dấu bước ngoặt lớn nhất khi Consani cùng Valentina Sampaio trở thành những người mẫu chuyển giới đầu tiên góp mặt tại Victoria’s Secret Fashion Show. Chỉ vài tháng sau, cô tiếp tục làm nên lịch sử khi trở thành người phụ nữ chuyển giới đầu tiên giành giải Model of the Year tại The Fashion Awards 2024 – giải thưởng tôn vinh những người mẫu có ảnh hưởng nổi bật cả trong và ngoài sàn diễn.<figure class="image"><img src="https://pyxis.nymag.com/v1/imgs/32c/5ae/01bf97d484e99b31c6df1a14bb8abbbdd4-alex-consani.1x.rsquare.w1400.jpg" alt="Alex Consani Is 2024's Model of the Year"><figcaption>Nguồn: The Cut</figcaption></figure>

Điều khiến Alex Consani đặc biệt không chỉ nằm ở những cột mốc mang tính lịch sử, mà còn ở cách cô biến chính cá tính của mình thành lợi thế nghề nghiệp. Trong khi hình mẫu người mẫu truyền thống thường gắn với sự lạnh lùng và bí ẩn, Consani lại hoàn toàn ngược lại: cô nói chuyện, làm meme, đăng những video hài hước và chia sẻ đời sống phía sau sàn diễn với hàng triệu người theo dõi.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://stylerepublik.vn/uploads/2024/08/Alex-Consani-09-29-2023-PFW-SS24.jpg" alt="Alex Consani trở thành nữ người mẫu chuyển giới đầu tiên xuất hiện trong hạng mục đề cử “Model of the Year” tại The Fashion Awards 2024"><figcaption>Nguồn: Sưu tầm</figcaption></figure>Chính sự kết hợp giữa fashion credibility, social media influence và personality đã giúp cô trở thành gương mặt được các thương hiệu săn đón. Năm 2025, Consani tiếp tục mở rộng sức ảnh hưởng khi xuất hiện tại Met Gala, Cannes, lên nhiều tạp chí thời trang lớn và tham gia hàng loạt campaign của các thương hiệu cao cấp. Từ một cô gái từng được khuyên nên bỏ TikTok để xây dựng hình ảnh “bí ẩn” hơn, Alex Consani cuối cùng chứng minh điều ngược lại: chính sự hài hước, khác biệt và khả năng kết nối với Gen Z mới là thứ biến cô từ một TikTok creator thành một fashion star thực thụ.

Khi cá tính trở thành “vũ khí” thời trang

Có một thời, thời trang cao cấp gần như được vận hành bởi một công thức rất rõ ràng: người mẫu phải bí ẩn, lạnh lùng, ít nói và để quần áo lên tiếng. Alex Consani xuất hiện để phá vỡ gần như toàn bộ công thức đó. Cô bước vào thời trang bằng TikTok, mang theo một cá tính ồn ào, hài hước và hoàn toàn không giống hình mẫu “model chuẩn mực” trước đây, rồi từng bước tiến vào những sân khấu danh giá nhất của ngành công nghiệp.

Alex Consani: Từ cô gái TikTok đến “Model of the Year”

Nếu Anne của những năm 2000 gắn với những chiếc váy công chúa, silhouette nữ tính và vẻ đẹp Hollywood cổ điển, Anne Hathaway hiện tại lại hấp dẫn bởi sự tiết chế. Cô đặc biệt phù hợp với những thiết kế có cấu trúc rõ ràng, tailoring sắc nét, vintage couture và những món phụ kiện tạo điểm nhấn.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://media.vogue.co.uk/photos/69e8fd03c45d622360d1b7df/2:3/w_2560%2Cc_limit/GettyImages-2271942287.jpg" alt="Anne Hathaway Saved Her Most Risqué Look For The London Premiere Of 'The Devil Wears Prada 2' | British Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Trong quá trình quảng bá The Devil Wears Prada 2, cô thậm chí chủ động chơi với chính lịch sử thời trang của mình: tái hiện kiểu tóc Andy Sachs với một phiên bản hiện đại, diện vintage Valentino và liên tục lựa chọn những outfit gợi nhớ đến tinh thần thời trang của bộ phim đầu tiên nhưng không biến mình thành bản sao của Andy.<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69d3b98f353250ab3bee16ed/master/w_2560%2Cc_limit/YAA_0160.jpeg" alt="The Inspo For Anne Hathaway's 'Devil Wears Prada 2' Looks? “Supernova Joy” | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Điều thú vị nằm ở chỗ Anne không còn cần một màn “makeover” để chứng minh mình có gu. Từ những bộ suit tối giản cho đến các thiết kế cầu kỳ, cô có khả năng chuyển đổi giữa classic Hollywood glamour, modern tailoring và fashion-forward dressing mà vẫn giữ được nét thanh lịch rất riêng. Chính sự cân bằng ấy khiến phong cách của Anne sau hơn 20 năm không bị mắc kẹt trong một thời kỳ nào.

TỪ ANDY SACHS ĐẾN ANNE HATHAWAY: THỜI TRANG CŨNG TRƯỞNG THÀNH THEO CÔ

Nếu cần một bằng chứng rõ ràng, hãy nhìn vào Met Gala 2026. Anne xuất hiện trong thiết kế custom Michael Kors bằng lụa Mikado đen, được nghệ sĩ Peter McGough vẽ tay trực tiếp với những hình ảnh lấy cảm hứng từ Ode on a Grecian Urn của John Keats. Đây không phải kiểu đẹp an toàn của một ngôi sao Hollywood lâu năm, mà là một fashion statement đúng nghĩa: trang phục được biến thành một tác phẩm nghệ thuật có câu chuyện riêng.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.vogue.com/photos/69f92bffebb12141d7693247/master/w_2560%2Cc_limit/GettyImages-2274537445.jpg" alt="Anne Hathaway's Hand-Painted 2026 Met Gala Dress Was Inspired by a Poem | Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Đây cũng là lần thứ chín Anne tham dự Met Gala.Đáng nói hơn, Vogue gọi Anne là một trong những người có “fashion transformations” đáng chú ý của thời điểm hiện tại. Từ The Princess Diaries và The Devil Wears Prada đến những thảm đỏ gần đây, thời trang của Anne Hathaway dường như luôn có khả năng tự làm mới mà không đánh mất bản sắc.<figure class="image"><img src="https://media.vogue.co.uk/photos/681941fd4611bc82be34cacc/master/w_1600%2Cc_limit/2213603647" alt="Anne Hathaway's 2025 Met Gala Look Is An Homage To André Leon Talley | British Vogue"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Có lẽ đó mới là lý do nhan sắc Anne Hathaway vẫn “khó phai” sau hơn 20 năm: cô không cố trẻ hóa hình ảnh, mà để phong cách lớn lên cùng mình. Từ nàng công chúa Hollywood đến fashion girl của thế hệ hiện tại, Anne chứng minh rằng sức hút lâu dài không đến từ việc luôn trông giống phiên bản năm 25 tuổi, mà từ khả năng khiến mỗi phiên bản mới của mình trở nên đáng nhớ.

ANNE HATHAWAY KHÔNG CHỈ TRỞ LẠI, CÔ ẤY ĐANG Ở MỘT “FASHION ERA” MỚI

Hơn hai thập kỷ kể từ khi xuất hiện trên màn ảnh, Anne Hathaway vẫn là một trong những gương mặt có sức hút đặc biệt của Hollywood. Từ nàng công chúa Mia Thermopolis trong The Princess Diaries đến Andy Sachs của The Devil Wears Prada, cô từng bước trưởng thành cùng thời trang và biến mỗi lần xuất hiện thành một chương mới trong hành trình phong cách. Năm 2026, khi The Devil Wears Prada 2 đưa Anne trở lại tâm điểm, nữ diễn viên một lần nữa chứng minh sức hút của mình không nằm ở việc cố níu giữ hình ảnh tuổi trẻ, mà ở khả năng biến sự trưởng thành thành một lợi thế thời trang. Vogue hiện thậm chí liên tục ghi nhận những màn biến hóa của cô trong năm nay, từ vintage Valentino, sheer dressing đến những thiết kế mang tinh thần boho và couture.

NHAN SẮC “MẶN MÒI” KHÓ PHAI CỦA ANNE HATHAWAY SAU HƠN 20 NĂM

Lewis Hamilton chưa bao giờ xem quần áo là lớp vỏ bọc bên ngoài. Với anh, thời trang là cách kể câu chuyện về bản thân. Trong khi phần lớn các tay đua lựa chọn phong cách an toàn, Hamilton liên tục thử nghiệm với những phom dáng oversized, trang phục gender-fluid, chất liệu da, denim, trang sức bản lớn và những thiết kế mang tính nghệ thuật của Dior, Wales Bonner, Rick Owens, Bottega Veneta hay Prada.<figure class="image"><img src="https://media.cnn.com/api/v1/images/stellar/prod/230322120311-02-lotw-0322-louis-hamilton-fashion-grand-prix-rick-owens.jpg?c=original" alt="Lewis Hamilton brings the menswear runways to the racetrack | CNN"><figcaption>Nguồn: CNN</figcaption></figure>Chính sự táo bạo ấy đã vô tình tạo nên một chuẩn mực mới cho Formula 1. Những khoảnh khắc bước xuống xe và tiến vào khu paddock giờ đây được giới truyền thông ví như "đường băng thứ năm" của Fashion Week, nơi phong cách cá nhân được chú ý không kém thành tích trên đường đua. Không ít tay đua thế hệ mới cũng bắt đầu đầu tư mạnh vào hình ảnh thời trang của mình, biến F1 trở thành môn thể thao có tính thời trang bậc nhất hiện nay.<figure class="image"><img src="https://cdn.tatlerasia.com/tatlerasia/i/2025/01/07125304-gettyimages-1760028104-1_cover_1067x1600.jpg" alt="Style Evolution: 7 Lewis Hamilton fashion moments | Tatler Asia"><figcaption>Nguồn: Tatler Asia</figcaption></figure>Sức ảnh hưởng của Hamilton cũng vượt khỏi phạm vi đường đua. Anh thường xuyên ngồi hàng ghế đầu tại Paris Fashion Week, trở thành đại sứ toàn cầu của Dior và hợp tác cùng nhiều thương hiệu quốc tế. Đặc biệt, việc được lựa chọn làm đồng chủ trì Met Gala 2025 là minh chứng rõ ràng rằng Hamilton đã trở thành một nhân vật có tiếng nói trong ngành thời trang, chứ không đơn thuần là một người nổi tiếng mặc đẹp.

Từ đường pit đến front row: Người viết lại hình ảnh của tay đua Formula 1

Điều khiến Lewis Hamilton khác biệt so với nhiều ngôi sao thể thao khác là anh không sử dụng thời trang chỉ để xây dựng hình ảnh cá nhân. Anh xem đó là một nền tảng để truyền tải thông điệp về sự đa dạng, tính đại diện và cơ hội dành cho các tài năng mới.<figure class="image"><img src="https://media.voguearabia.com/photos/681938dcab0eb8b684f6d588/2:3/w_2560%2Cc_limit/2213598572" alt="Lewis Hamilton's 2025 Met Gala Look Is Loaded With Symbolism—Right Down to the Cufflinks | Vogue Arabia"><figcaption>Nguồn: Vogue</figcaption></figure>Tại Met Gala 2021, Hamilton tự chi trả một bàn tiệc để mời các nhà thiết kế da màu trẻ cùng xuất hiện trên thảm đỏ, giúp họ tiếp cận những nhân vật quyền lực nhất trong ngành thời trang. Đó không chỉ là một hành động mang tính biểu tượng, mà còn mở ra cơ hội hợp tác và phát triển sự nghiệp cho nhiều nhà thiết kế vốn ít được chú ý.<figure class="image"><img src="https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/gettyimages-1340180033.jpg?crop=0.668xw:1.00xh;0.104xw,0&amp;resize=1200:*" alt="Lewis Hamilton Paid For Young Black Designers To Attend The Met Gala"><figcaption>Nguồn: ELLE</figcaption></figure>Bản thân phong cách của Hamilton cũng phản ánh triết lý ấy. Anh không ngần ngại phá vỡ ranh giới giữa menswear truyền thống và thời trang phi giới tính, liên tục thử nghiệm những phom dáng mới, màu sắc mới và cách phối đồ vượt khỏi khuôn mẫu dành cho một vận động viên nam. Điều này khiến anh trở thành nguồn cảm hứng của thế hệ đàn ông trẻ, những người xem thời trang là công cụ để thể hiện cá tính thay vì chỉ chạy theo xu hướng.<figure class="image"><img src="https://vstatic.vietnam.vn/vietnam/resource/IMAGE/2025/8/5/ac714d9e453340edbeedc80c85fd5d30" alt="Lewis Hamilton: A billion-dollar fashion icon transcends the ..."><figcaption>Nguồn: Grazia</figcaption></figure>Lewis Hamilton có thể được nhớ đến như một trong những tay đua vĩ đại nhất lịch sử Formula 1, nhưng di sản của anh sẽ không chỉ nằm ở những chiếc cúp vô địch. Anh đã thay đổi cách một vận động viên xuất hiện trước công chúng, xóa nhòa ranh giới giữa thể thao và thời trang, đồng thời chứng minh rằng phong cách cũng có thể tạo nên sức ảnh hưởng mạnh mẽ như thành tích trên đường đua. Trong thời đại mà hình ảnh cá nhân ngày càng trở thành một phần của văn hóa đại chúng, Lewis Hamilton không chỉ là một fashion icon, mà còn là người đã viết lại mối quan hệ giữa Formula 1 và thế giới xa xỉ.

Khi thời trang trở thành tiếng nói về văn hóa và sự đa dạng

Có một thời, hình ảnh các tay đua Formula 1 ngoài đường đua gần như chỉ gói gọn trong những bộ racing suit, đồng hồ tài trợ và những bộ suit lịch lãm nhưng an toàn. Thế rồi Lewis Hamilton xuất hiện, không chỉ với tư cách một nhà vô địch thế giới, mà còn là người đầu tiên biến lối đi vào paddock thành một sàn diễn thời trang thực thụ. Mỗi lần xuất hiện của anh đều trở thành chủ đề được bàn luận không kém gì kết quả của chặng đua, từ những bộ tailoring phá cách, trang phục phi giới tính đến các thiết kế avant-garde của những nhà mốt hàng đầu.

NEWS

KHI DIOR KHÔNG CÒN CHỈ CÓ MỘT KIỂU CÔNG CHÚA

DONATELLA VERSACE: RỜI BỎ CHIẾC GHẾ KẾ THỪA, BƯỚC ĐẦU MỞ RA ĐẾ CHẾ THỜI TRANG CỦA RIÊNG MÌNH

VOGUE WORLD MILANO 2026: TUYÊN NGÔN VỀ TÍNH DI SẢN DO BÀN TAY CON NGƯỜI TẠO NÊN

INFLUENCER

EMMA WATSON VÀ CHIẾC VÁY CHỈ TỒN TẠI TRONG MỘT ĐÊM

LOCAL

VÌ SAO GIA STUDIOS THÀNH CÔNG?

MÀN CHÀO SÂN CỦA HƠN 50 LOCAL BRANDS GIỮA LÒNG TÂN ĐỊNH

INSIGHT

CÚ LỘT XÁC NGOẠN MỤC CỦA COACH

THỜI TRANG CÓ ĐANG LẠM DỤNG AI?

TRENDING

Quần áo càng nhỏ, càng thành trend?

HẾT Y2K, GEN Z ĐANG PHÁT CUỒNG Y3K

CÁCH CÁC THƯƠNG HIỆU NẮM THÓP GEN Z CHÂU Á

RUNWAY

VÌ SAO HERMÈS PHẢI MẤT GẦN 190 NĂM MỚI CHỊU GIA NHẬP HAUTE COUTURE?

HÀNG CHỤC BỘ VÁY ĐÍNH ĐÈN LED CÓ MỘT KHÔNG HAI CỦA SCHIAPARELLI

DOLCE & GABBANA SPRING/SUMMER 2027: KHI SICILY KHÔNG CÒN LÀ CẢM HỨNG, MÀ LÀ BẢN SẮC CUỐI CÙNG

MIX & MATCH

Cách Phối Đồ Với Áo Thun Ôm Nữ Cực Xinh Từ Các Local Brand Việt Nam

SUMMER IS CALLING - LOCAL BRAND MẶC ĐI BIỂN CÓ GÌ?

5 OUTFIT HÈ TỪ ĐỒ LINEN LOCAL BRAND VIỆT NAM

ACCESSORY

NHẪN MARQUISE: VẺ ĐẸP HOÀNG GIA KHỞI NGUỒN TỪ MỘT NỤ CƯỜI XUYÊN THẾ KỶ

Độc đáo mốt "đeo lắc tay" cho túi xách

Dây chuyền bạc - sợi dây thu hút năng lượng tích cực